Tras leer Invencible (https://www.cronicasliterarias.es/?p=4971) y alucinar un poquito, quise retomar Superman. Alguna buena historia suya pero no para comparar. Más bien, contrastar sensaciones. Pero no me iba a ir a una de sus grandes aventuras o arcos súper famosos que si tal que si cual… Quería algo nuevo. Así que (ya sabéis) uno pone el ojo en ECC Ediciones y casualmente encontré que publicaban un tomito chulo llamado Arriba, en el Cielo, de Tom King. ¡De Tom King! El creador de geniales guiones en Batman, The Sheriff of Babylon, Mister Miracle, La Visión…, entre otras muchas. Pero, ¿cuándo este autor tan de moda había hecho algo con El Hombre de Acero y no me había enterado? Pues hace unos años, claro. Y en USA. No obstante, ya está aquí entre las novedades un volumen, como poco, diferente
Superman: Arriba, en el Cielo es un inicio independiente que no continúa ningún otro cómic. La mayoría de las historias brindan una mirada única e individualizada del Superman como personaje. La trama, o mejor dicho, las subtramas que encontraréis en este volumen son en su mayoría convincentes. En general, es un volumen con un atractivo único pero que inicia nuevos planteamientos. El enfoque principal es examinar y discutir los rasgos del carácter de Superman a través de una serie de historias individuales que terminan por entrelazarse. Pero quiero dejar claro que este tomo es, sobre todo, para fans de Superman, de esos que quieren ver al personaje examinado de maneras únicas. No son aventuras sencillas.
En la superficie, trata sobre como Superman intenta salvar a alguien mientras se encuentra con numerosos obstáculos en el camino. Sin embargo, al mirar más profundamente, queda claro que todo el volumen es un examen único al Superman como personaje. Se puede decir que cada historia, individualmente, destaca al más poderoso héroe de todos los tiempos. La mayoría de las veces, el examen es interesante y conduce a una historia bien escrita y reveladora. Pero hay algunos capítulos en los que el guión se siente un poco deslucido. Estos efectos ocasionales y la falta de una narrativa general significativa en el volumen pueden no ser interesantes para un nuevo fan. Por eso, es más probable que este volumen atraiga a los fans acérrimos de Superman de toda la vida. Se deconstruye a El Hombre de Acero de manera convincente.
Como se mencionó anteriormente, Superman: Arriba, en el Cielo, se compone de varias historias individuales que intentan examinar a Superman como un personaje y, en la mayoría de los lugares, estos exámenes son muy interesantes. La decisión inicial de Superman de buscar a una niña muestra que nunca podría dejar que a un inocente se le escape el alma mientras él tenga oportunidad de hacer algo. El combate contra Mighto muestra que nunca se rendirá. La historia del médico alienígena muestra su increíble capacidad de inspiración. Y su encuentro con Darkseid muestra que, siempre que le sea posible, encontrará la manera de hacer lo correcto. Cada uno de estos capítulos es convincente desde el punto de vista de la 
narración y, al mismo tiempo, logran comunicar algo intrigante sobre Superman. Sin embargo, también hay algunas historias que no funcionan. El encuentro entre Superman y Clark Kent separando las personalidades de estas entidades de una manera raruna…, pues no la sentí fiel. Además, la historia final del volumen no es tan intensa como cabría esperar, ya que Superman es capaz de derrotar al villano principal sin muchos problemas. Sin embargo, las historias mediocres de la colección son una minoría; la mayoría son geniales.
No puedo irme sin mencionar a los ilustradores. Varía bastante. Tienen un atractivo mixto. Hay lugares donde la combinación artística de los lápices de Andy Kubert, las tintas de Sandra Hope y los colores de Brad Anderson producen páginas realmente impresionantes. Grandes extensiones centradas en Superman realizando una loca hazaña de fuerza o montajes que destacan personajes de los mitos del Hijo de Krypton. Páginas donde esta colección alcanza su punto máximo visual. Sin embargo, también hay páginas que simplemente terminan luciendo raras. Algunas escenas 
presentan cuerpos extrañamente contorsionados o proporciones que no parecen correctas. Estos defectos no son demasiado importantes, pero impiden que el libro logre un nivel de pulido que toda fan hubiese deseado. Así que, fifty-fifty.
Un volumen que enmayor proporción hace referencia a la tesitura de, si es correcto salvar a una sola persona en lugar de centrarse en salvar a miles.
Echadle un ojo.
No digáis que no atrae una serie de cómics basada en tanques específicos o máquinas de guerra que tuvieron su historia en particular durante la Segunda Guerra Mundial. Algo chulo y original, al estilo de aquel film llamado Fury (Corazones de Acero) donde Brad Pitt y toda su tropa nos hacía amar los tanques de una forma distinta. Tras Esta Máquina Mata Fascistas (
Krieg Machine nos traslada a 1942, a Renania, en el norte de Westfalia, donde Otto Von Sholtiz y Kurt Seibel se encuentran en el centro de entrenamiento de tropas blindadas en el castillo de Paderborn. Lugar donde se hará la presentación del último tanque de la Panzerwaffe. Por fin se puede mostrar al mundo, el famoso Tiger. Un máquina que es una bestia que devorará el alma de toda tripulación que se meta dentro y se fundirá con una ideología nazi poderosa, celestial, que los llevará a ser, allá por donde vayan, invencibles. Y al igual que el primer tomo, este álbum parece contar una historia sobre la Segunda Guerra Mundial, que es mucho más que eso. La originalidad aquí es haber colocado una máquina en el centro de la historia, un tanque, el mejor tanque que ha conocido y creado el ser humano, para después ponernos en la piel de los dos protagonistas. Pues más que una docuficción sobre el conflicto, o sobre la máquina, trata, sobre todo, la relación fusional entre hierro y carne que hay con sus porteadores. Con un dibujo curioso que aplica un animismo fantástico e ¿improbable? Pero que la máquina Krieg fue capaz de realizar…
Los dos años de invencibilidad de esta gran y malvada bestia favoreció el surgimiento del afán de muchos por estas maravillas de la ingeniería industrial de la época. Permanece, a día de hoy. Eso si, un álbum que se centra en la tripulación: un capitán, hechizado por su morbosa misión, y un ayudante, fiel “escudero” que pierde ilusión con cada avance. Seguimos a ambos desde 1942 hasta 1945, hasta un final crepuscular y apocalíptico.
La Horda de Contraviento es una novela de Alain Damasio que me atraía bastante leer después de ver el éxito que tuvo en el país galo. Pero no sé tanto francés como para leer un libro. Mucho menos, de Ciencia Ficción. No obstante, Damasio puede ser el 
imaginación complementa muy bien y que a los medios «más visuales» les cuesta transmitir.
sigue creciendo: ¿Son los Fréoles realmente aliados? ¿El encuentro fue fruto de la casualidad?
hemos vivido días de viento insoportable. Las sensaciones son que Henninot lo clava. No por la adaptación, que por tanto no puedo juzgar, sino por la interpretación. Los escenarios son grandiosos y llamativos a los ojos, al igual que la trama y los personajes miembros de la Horda y el vínculo entre todos ellos es súper realista. Una aventura a seguir, sin duda. La mejor CF hecha cómic.
Hasta el momento no había leído estos grandes arcos que son pura acción y que está publicando Panini Cómics casi cada mes. Planeta de Simbiontes, en especial, se publicó en los 90, la década de mi bajona con el cómic por centrarme en los inicios de una vida adulta sin tiempo. Pero como el Universo es esa cosa que se expande y se contrae, cual elástico lleno de secretos que viven los tiempos, resulta que todo vuelve y gracias a los cielos vuelve a estar disponible y en novedades este Planeta de Simbiontes de forma recopilada (porque la historia se tuvo que seguir en su día en varias colecciones), uno de los grandes arcos argumentales donde Veneno y algunos arácnidos más, lo pasan mal, pero mal de verdad. Contra invasores-aliens-usurpadores de cuerpos que atacan la Tierra y adoptan a humanos como anfitriones. Una horda llegando a nuestro planeta a mansalva… Cierto y verdad es, que nunca conocí a nadie en mi infancia que siguiera todas las historias de Veneno. Tampoco os puedo decir a ciencia cierta si a nuestro país de kioscos comiqueros en los 80 y 90 llegaba todo lo que uno podía desear de este antihéore. Diría que no. Veneno como mucho, lo podíamos ver dentro de otras cabeceras donde actuaba como villano. Como mucho. Fue una época donde solo los superhéroes más conocidos, los más famosos mundialmente, tenían cabida en esos resquicios que quedaban libres entre revistas y periódicos. Nada de especializarse en poner en mostrador series independientes de antihéroes. Impensable innovar así en este país de pandereta. Pero el tiempo nos pone en el candelero la posibilidad de recuperar esto. Panini Cómics en su labor de seguir trayéndonos las mejores historias de este ser con tantos puntos grises; en mi opinión, acaba de publicar, la mejor de todas las tramas en las que participa. Planeta de Simbiontes vuelve a estar en librerías.
Todo comenzó en el The Amazing Spider-Man Super Special #1 donde Spiderman está tratando de evitar que un grupo terrorista destruya un nuevo modulador de ondas Clystron. No muy lejos, Eddie Brock está en comunión con su simbionte. Ha comenzado a cuestionar su unión por primera vez, y habiéndose finalmente dado cuenta de lo violento que lo ha vuelto; duda. Pero sus pensamientos se interrumpen cuando un trozo de muro es lanzado hacia él desde una batalla que tiene a Spiderman enfracado contra los Neo-Luditas. Al convertirse en Venom, Eddie va a investigar y se topa con el trepamuros. A Spidey no le gusta nada que Veneno se una a la pelea, y ahí se percata que algo anda mal pues su antiguo enemigo está discutiendo con su simbionte sobre qué hacer con uno de los terroristas que tiene entre manos… Cuando todo acaba, Peter Parker anda dándole vueltas a la situación vivida y percibe que quizás acaba de ver en primer plano un medio para derrotar a Veneno de una vez por todas.
nacer. Pero en el norte del estado de Nueva York, Spiderman huye de una horda de personas poseídas por simbiontes. Los atrae a través de una tubería de drenaje donde Veneno y Scarlet Spider le esperan. Pero todo se torna en desgracia: cada vez más ataques, más muertes, un mundo apocalíptico a un paso. Hasta que Spidey cae en la cuenta y dice a sus nuevos aliados que necesitan obtener todos los dispositivos de fuego y sónicos que puedan encontrar. Hay una posibilidad de que todas esas mentes corruptas estén comunicándose a raíz de una mente maestra, o quizás, lo hacen como mente colmena. Tiene ese presentimiento.
Y ahora uno de Terror. Un cómic de Terror por Cullen Bunn. El guionista de moda. Aunque esta recomendación en realidad viene a través de un colega que tiene una tienda de cómics especializada y que como súper amante de Marvel/DC de toda la vida, rara vez le gusta un cómic de Terror. Pues va el tío y me recomienda Los Dementes. Nerviosamente, me lo recomienda, como si estuviese rompiendo sus principios. Y os cuento: este colega no es un tontolaba cerrado de miras. Sigue a todo buen autor que se precie y ya desde que se publicó en USA viene hablándome de Los Dementes (The Unsound) el titulo que BOOM! Studios que ahora publica Norma Editorial. Un cómic que encantó a todo fan del género. El más atrapante y más primigenio que posee el ser humano. Ya lo dijo Lovecraft. Y mi colega el tendero dijo: ¡Pelotazo, nen! Así lo definió. Aunque también me dijo que Cullen Bunn como guionista siempre aporta un grado de humor negro a su narración, que es interesante experimentar esta conjunción que puede parecer sencilla, a priori, pero que no es del todo así.
Cole (el ilustrador) lo consigue. Lo es todo si encima es realista. En casi cada escena de Los Dementes obtenemos una versión distorsionada de la realidad pero lo suficientemente cercana como para ser inquietante. El apartamento de un vecino extraño, un viaje al trabajo poblado de vagabundos despotricando y un hombre que lleva extraños frascos de órganos. Madre mía… No recuerdo una historia en cómic que me diera tanto mal rollo. Una vez que llegamos al hospital, el ambiente (los tonos gráficos también) se vuelven grises y azules de la mano del ilustrador Jack T. Cole, que hace un gran trabajo para dotar a los pacientes como si fuesen seres de otro mundo. Donce los celadores pasan a ser personas de trajes oscuros y monstruos sin rostro burlones. Un lugar para mirar, observan, fuera de los diálogos que se están produciendo.
Páginas de último capítulo que actúan como introducción a las imágenes inquietantes que te va entregando a la trama. El desconcierto de Ashli ante algunos hechos inexplicables (un adicto conducido por hombres extraños a habitaciones sin identificar, un paciente que siempre usa una máscara de plato de papel…); escenas que desconciertan tanto a la prota como al lector.
Carta Blanca puede ser uno de los cómics más bonitos que se pueden encontrar ahora mismo en novedades. El más preciocérrimo, desde luego, porque no se me ocurre un calificativo mayor. Pero, ¿basta sólo con eso? Obvio que no. Preciosa historia, entrañables personajes, guion y dibujo de Jordi Lafebre para el delirio que logra sentirlos vivos, conmovedores…, salgo de mi lectura encantado. Conmovido. A uno también le gusta que de vez en cuando le pongan el vello de punta, ¿no? Además, el ingenioso proceso de contar la historia…, bueno, bueno, vamos por partes. Pero sí que funciona de maravilla también esta vez. Y es cierto que conocemos el final de la historia de Ana y Zeno desde el principio, pero curiosamente -o magistralmente, según se mire- eso de ninguna manera estropea el placer de descubrir cómo y por qué estas dos personas se han amado durante tantos años y no se encontraron antes. Carta Blanca es una de las bonitas novedades que Norma Editorial trae este mes desde el siempre atractivo cómic europeo. El título y la portada me convencieron de que lo pasaría bien, esa extraña certeza que a veces surge cuando piensas que un volumen te molará y eso que no sabes de que va. Ocurre también con títulos así, que temes que te decepcione. Por alguna razón quieres que te guste, y es como tener la posibilidad de probar una tarta de naranja y rezas por que no esté amarga. Entonces, sin prestar mucha atención a los detalles leo el primer capítulo; bonito ronroneo, paso la página y ¿dónde estoy? Retrocedo. ¿Pero cómo diablos el capítulo 19 y acabo de leer el 20? Empieza el juego. Toda una lucha de ansias por no querer leer el Capítulo 1, o sea, el final… Que sería el principio. Uff…
hecho de manera inteligente -hay que tener muchas cosas en cuenta-, y con el tono ligero que tan bien fluye en las comedias románticas. Extrañaría muchísimo que no se convirtiera en peli. Pero también contiene temas dolorosos (en el amor verdadero qué no lo es), temas como la romantización de la infidelidad, por ejemplo. Durante casi cuarenta años, el personaje de Ana le ha mentido a su esposo y su hija. Son situaciones que pueden doler moralmente a ciertos lectores. No voy a desarrollar más este tema pero soy consciente que para muchos/as el amor se rompe en mil pedazos si tras una familia existe una mentira así. En especial, para ciertas mentes “vintage”, sé que una historia de engaño no puede ser encantadora y puede resultar dolorosa. No obstante, es preciosa en muchos sentidos. Con el detalle ese de, ¿cómo terminará?, ¿cómo empezó?
Eso si, lo que enamora totalmente es el dibujo. Muy Disney pero sazonado de cómic europeo. Es una mezcla extraña pero enamora. Es increíblemente eficiente la línea dinámica y expresiva que consigue el autor para transmitir a la perfección los sentimientos de los personajes. Especialmente, a través de su apariencia. Desde las primeras páginas, cuando Ana tiene lágrimas en los ojos, os juro que yo también las tenía… Y es que apenas conozco la obra de Jordi Lafebre. No he leído nada de sus cómics anteriores y, sinceramente, no esperaba quedar tan encantado. La guinda al pastel, la pone el colorista y ayudante Clémence Sapin que permite establecer súper bien los estados de ánimo a través de esos tonos pastel que contiene la historia.
Algunos lectores de Terror no lo saben pero Joe R. Lansdale no sólo ha escrito novelones del género súper recomendables, también es un amante del género Western. Es una rara combinación de gustos o de estilos para un escritor, sin embargo, más que raro, yo lo veo original. Y no porque pueda mezclar ambos géneros(que yo sepa solo lo hizo en un relato, fue genial y sirvió de inspiración para mi relato Andad de día que la noche es mía); el tema es que me parece muy, muy difícil ser bueno en dos temáticas tan diferentes. Pero Lansdale lo es. Joe Richard Lansdale (1951) es un escritor estadounidense además experto en artes marciales y de vez en cuando aporta su don a los cómics. Alucino con este hombre: ¡Tiene todos mis gustos! Ha sido autor de más de cuarenta novelas y ha publicado unas treinta antologías. Incluso alguna de sus historias han sido llevadas al cine. Envidia pura. Además, ha ganado varios premios por su labor en las letras entre los que está, por supuesto, el glorioso Premio Bram Stoker. En definitiva, aquí uno que va a leer siempre todo-todito-todo lo que se publique en español de este hombre.
personas, incluidos famosos de renombre que residían en Deadwood (Dakota del Sur), adoptaron dicho apodo. Incluso tuvo una serie televisiva antológica como fue Death Valley Days que presentó un episodio en 1966 titulado La Resurrección de Deadwood Dick, con el presentador Robert Taylor y con el popular actor Denver Pyle en el papel principal. La historia mola. Si podéis echadle un ojo. Deadwood Dick es presentado por los dirigentes de la ciudad por que muchos turistas vienen a Deadwood y piden conocer al legendario hombre de la frontera. Pronto Buffalo Bill invita a Deadwood Dick a unirse a una refriega en ciernes y al final Dick, fortalecido por el gran dueto, termina por salvar al banquero de la ciudad en un atraco y promete regresar a Deadwood algún día, donde resulta que pasará sus últimos años hasta su muerte en 1929.
contar, por supuesto, con las geniales ilustraciones de Stefano Andreucci que son soberbias. Acción trepidante en un relato que rebosa suspense y nervio con el avance lento hasta que se desata el infierno. Por lo que he podido encontrar: sí, realmente Bat (Murciélago) Masterson estuvo presente y fue uno de los parapetados que hizo unos disparos increíbles. Tiene detalles así. Después de eso, hay cosas que se contradicen pero el Sr. Lansdale y Mauro Boselli (tengo que comprobar de quién es la culpa, por eso lo de leer el relato original). Aunque los fans de los spaghetti-westerns alucinarán de lo lindo con este cómic.
Y ahora Ciencia Ficción de la molona, de la más realista posible. Y es que después del gran éxito de El Marciano (The Martian), que culminó con una superproducción de Hollywood de gran presupuesto dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Matt Damon que llamaron Marte (¿¿??); las expectativas se han elevado para cada nuevo libro de Andy Weir. En USA desde entonces siempre anda en el punto de mira. Sin embargo, su segundo trabajo Artemis, fue un cambio de ritmo -thriller de CF ambientado en una ciudad en la Luna-, que no gustó mucho. Yo diría que no fue tan potente como su novela anterior. Pero sí le tenía bastantes ganas a Proyecto Hail Mary ya que utiliza un lienzo más amplio como telón de fondo para una carrera interestelar contra el tiempo. Uno de los temas favoritos de Weir y, por supuesto, mío. La competencia frente a la adversidad y la voluntad de luchar por la supervivencia. Sólo los que nos hemos visto en esa terrible situación, sabemos lo importante que es que tú cerebro trabaje rápido.
Soy de la opinión que, como amante del noveno arte, si una obra ha recibido cantidad de premios y no has oído a nadie hablar de mal de ella, precisa un mínimo de atención por tu parte. Después estará el dibujo que puede ser maravillosito o no, el guión que puede pegar tu espalda al sofá de escai o no, pero el mínimo de atención, siempre. Lo que se le dice «echarle un ojo». Eso como mínimo. Otra cosa es que me digas que mejor no, vaya a ser que te encante y no puedes (económicamente) meterte en más líos, de momento. No obstante, recordad una máxima dentro del mundo del cómic: es un hobby que necesita (para tu bien) tener muy cerca amiguetes con la misma afición lectora. Y ahora os cuento mi caso. Me sentí un poco fastidiado tras ver la adaptación cinematográfica de Soy una Mata-Gigantes (I Kill Giants). Comentándolo con un colega este me sugirió que probara el material original. Que recurriera a las fuentes… ¡A las fuentes! Lo que yo más promuevo. Vaya tela. Y resulta que Norma Editorial acaba de publicar una nueva edición en tapa dura de este título que me atrae mil. Por tanto, las coincidencias no existen. ¿O sí?
Me enamoré, me encanta la protagonista Barbara, que en el cómic es un poco más joven, más agradable, más vulnerable y un poco más… redonda. La película comete un error porque nos mantiene intentando adivinar cosas sobre Barbara cuando en el cómic Kelly nos cuenta, casi de inmediato, todo sobre la confusión personal que tiene. Importante: sabemos por qué pelea y sabemos contra qué pelea. Al ser tan directo, Kelly crea un arco argumental lleno de emoción en un viñetario que tal como está ideado (blanco y negro, con poco texto, cuasi-manga) impacta y lo devoras en nada. ¿Pero qué cuenta este tomo ganador del Premio Internacional de Manga de Japón, la Mejor Novela Gráfica Indie de 2008 y escogido como uno de los 10 Mejores Cómics Juveniles por las Bibliotecas Norteamericanas en 2010? Cuenta la historia de Barbara Thorson, de diez años, una alumna de quinto grado que es mucho más madura que cualquier chico/a de su edad, pero que decide dedicar la mayor parte de sus preocupaciones a un «mundo de fantasía» en el que lucha contra temibles gigantes con su martillo mágico. Mas, no penséis que esto es un juego, ya que Barbara pasa horas investigando a esos seres, preparando su arma y colocando trampas de manera diligente y estoica. Sin embargo, un día, cuando una nueva estudiante llamada Sophia se hace amiga de Barbara, esa misma que anda en el punto de mira de Taylor, la matona de la escuela que hace miserable la vida de todos… La vida se vuelve más complicada para la joven mata-gigantes.
lo mundano). Obra genial muy en el tono de Un puente hacia Terabithia.
Llevo mucho sin deciros que, tanto que alardeamos de creadores de buen cómic los americanos, resulta que, por ejemplo, las mejores historias de Western en este formato siempre nacen en el viejo continente. Es una coincidencia que quizás no lo es tanto pero, ¿no sería más lógico que en cada tierra se hiciera lo mejor para con su historia? Supongo que de ahí lo de no ser profeta en tu tierra por que en mi caso, la mejor historia que he visto en cómic sobre la Guerra Civil Española…, por supuesto, no la hizo un español. Pero a lo que iba, que es fácil encontrar muy buenas historias del Oeste dentro del noveno arte y del cómic europeo.
Mas, también aprendemos que la evolución de los nativos no se basó sólo en violencia y sangre, sino en una especie de asimilación de mestizaje de lo que es un claro ejemplo John Tanner. Después de todo, son indios de los Grandes Lagos, no tienen la misma forma de vida que los indios de las llanuras de un siglo después. Una comuna diferente.