Reseña: Donde vi el Cadáver, de Ed Brubaker y Sean Phillips

De unos años hacia acá, diría que el tándem de autores más potente de cómic de género de negro, el más indispensable a seguir son el que forman Ed Brubaker y Sean Phillips. Y no hay discusión. Les avalan grandes cómics, tramas, viñetarios de lujo como pueden ser Pulp, Reckless y Criminal, entre otros. Y es muy cierto que Donde vi el cadáver es todo un logro por que es donde se plantea un plano de la escena del crimen maravilloso como inicio con un misterio detectivesco que sigue los efectos de ese asesinato y su eco a través del amor y el desengaño. Lo define muy buen la sinopsis editorial.

Todo ocurre en la calle de un barrio. Una chica que lee cómics interpreta a una detective adolescente disfrazada de superhéroe, con un vagabundo que también anda disfrazado… Un chico del vecindario intimida a la gente con la placa de policía de su padre muerto y está teniendo una aventura con la esposa de un terapeuta (sí, todos tienen un secreto y todos están entrelazados en una especia de comuna urbana, todos pretendiendo ser otra persona). Veamos: chica superhéroe enamorada de un chico que se droga con una mujer infiel; ladrón de casas que busca dinero para sus dosis y lo amenazan con ir a la policía si no se detiene… Pero ella no es la única que sabe cosas. Está el tipo que dice ser policía que se acuesta con el ama de casa aburrida, que está casada con el psiquiatra aburrido, que trata al veterano de Vietnam sin hogar con trastorno de estrés postraumático, que es amiga de la niña vietnamita de diez años que sueña con ser policía-superhéroe, y que está secretamente enamorada de su vecino nerd mayor que ama los cómics. Y luego está el vecino entrometido. Y el investigador privado con su chaqueta exclusiva típica y su barba de tres días. Pero no nos enteramos del plan de asesinato hasta mucho tarde. Donde sabemos de estas personas que han tomado caminos separados y miran hacia atrás como si se tratara de un verdadero blog o podcast sobre crímenes.

Con un cuadro inicial que no es otra cosa que un mapa del barrio de referencia, tenemos una serie de vidas entrelazadas (que asemeja las interconexiones de calles que puede tener el suburbio de una ciudad grande), una pequeño ubicación donde todo el mundo finge. ¿Idea original? Quizás no. Pero una historia que todo amante de la obra de Brubaker disfrutará. Cuentan que Donde vi el cadáver fue un intento de responder a la petición de Sean a Ed de que escribiera un romance. Y eso os puedo decir que no funciona del todo. Pero que amor, a estas alturas, lo hace. Sí que tenemos un argumento magníficamente elaborado. Como un podcast de true crime mezclado con una narración en forma de diario perdido hace años.

Donde vi el cadáver, no se parece a nada que Brubaker y Phillips hayan guionizado y dibujado antes. Queda una mini novela gráfica muy chula de comentar entre gente a la que le gustan los misterios policíacos. Una historia retorcida como la vida misma. La diferencia, sin embargo, es sutil. En este cómic no hay asesinos en serie, ni mafiosos con armas, ni universitarios suicidas poseídos por demonios. Claro, hay un cadáver. Y un misterio. Pero parece menos importante, de alguna manera, que las patéticas vidas de los numerosos personajes cuyos destinos están entrelazados en la historia. Vidas cruzadas con temática criminal con las que he disfrutado mucho la sucesión de testimonios a través de los cuales se construyen las visiones que tienen los personajes entre sí. Pequeñas miserias socavan sus vidas.

Reseña: Batman. Nueve Vidas, de Dean Motter y Michael Lark

Otros Mundos es una colección que explora un atrayente concepto: ¿Qué habría ocurrido con los héroes DC si hubieran vivido en otra época, en otro mundo o inmersos en unas circunstancias diferentes de las temáticas originales con las que fueron idealizados? Bajo esta premisa, los mejores autores de la industria del cómic desarrollaron historias independientes y autoconclusivas que trasladan a Batman, Superman y el resto de personajes DC a escenarios tan novedosos como sorprendentes. En otras ocasiones ya he súper-recomendado este sello pero lo hago una vez más. ECC Ediciones nos da algo diferente con él, un revés de frescura que gusta mogollón. Porque Batman es un personaje muy digno para este tipo de historias. Dadas sus cualidades se mueve bien en casi cualquier escenario o mundo distante. Sin embargo, en Nueve Vidas han ido a lo que mejor le va, porque de hecho para este tipo de historias se creó al alter-ego de Bruce Wayne. Hablo del género negro con tintes policíacos.

Batman, Nueve Vidas cuenta la historia de un asesinato. El de la conocida Selina Kyle, cuyo cuerpo ha sido encontrado en las cloacas de la ciudad.

La trama empieza a desenvolverse contada a modo de relato y desde la perspectiva de varios de los personajes que de una forma u otra eran protagonistas en la vida de extinta Gata Negra. Con el paso de las páginas nos introducimos en una historia en la que hay que descubrir quién es el asesino. Todos la conocían. Es lo que tiene ser prostituta, ¿no? Dick Grayson es un detective a medias tintas que dada la implicación emocional que tuvo en el pasado de Selina, decide comenzar a investigar e ir a por el asesino. Tenemos así al clásico detective de novela negra, aunque los sospechosos (entre los que se incluye él mismo) no son para nada típicos. El jugador de medio pelo con muy malas pulgas. Un contable atormentado y amante de los acertijos. Un multimillonario que esconde algo. Un extorsionador gordito y enano que a poco te saca una recortada. Un gangster desfigurado. Un detective medio retirado. Y un monstruo de feria que no encuentra su lugar en el mundo… Nueve vidas que conoció Selina Kyle en vida. Nueve vidas que le arrebataron la suya de algún modo. Pero, ¿quién de ellos le propinó el golpe certero?

Batman: Nueve Vidas es una joyita de cómic que ha elaborado DC Cómics al estilo de las tiras diarias de cómics antiguos. Rememorando aquellos cómics apaisados de los años 50, ve la luz una curiosa edición de tomo en horizontal cuya lectura te sumerge de lleno en la historia aportando una connotación especial a la época en la que se desarrolla. ECC Ediciones lo trae ahora para nosotros. Una preciosidad de guion de la mano de Dean Motter y dibujado por el siempre maravilloso Michael Lark.

El nexo de unión es la muerte. Un guión al más puro estilo Agatha Christie.

¿Quién mató a Selina Kyle? Yo ya lo sé. Y ahora no puedo olvidarlo. Nueve Vidas es un presente estupendo para todo aquel que conozcáis que sea fiel seguidor del Caballero Oscuro, incluido vosotros mismos.

Reseña: Shock SuspenStories Vol.2, de VVAA

La publicación en español de un segundo volumen de Shock Suspenstories solo significa, para los que amamos el género de Terror en todas sus facetas, que volvemos a tener carne en el menú. Carne de la buena, a la brasa, sangre, misterios, asesinatos inesperados y seres idos de olla, la mayoría humanos en serios apuros. Situaciones de apuro y tensión que no son otra cosa que un buen motor para que una historia de Terror funcione a las mil maravillas (tal como se hace ver en esta misma portada). Desde noviembre del pasado año no teníamos noticias de los geniales volúmenes que Diábolo Ediciones estaba trayendo a librerías. Y ya tocaba. Ya tenemos no sólo este segundo Shock Suspenstories, también el primero de The Haunt of Fear (https://www.diaboloediciones.com/the-haunt-of-fear-volumen-1-edicion-en-castellano-1-de-4/), que ando loco por catar. Porque Diábolo Ediciones fue consciente en su momento de lo que nos gustaba a los amantes del Terror en todos sus formatos, de lo que muchos estábamos ansiosos por tener en buenas ediciones, y propuso varios «rescates» de las mejores historias recopiladas por Al Feldstein. Por eso ha vuelto a la carga con el segundo volumen de Shock y con algunas de las historias más recordadas de la colección como son El juego de octubre, ¡Carroña!, ¡El pequeño asesino!, ¡La cita!, ¡La última carcajada!, joyitas ubicadas dentro la genial compañía que fue EC Comics.

Este segundo hermoso volumen reimprime los números #7 al #12, con veinticuatro historias en total escritas por un elenco estelar que incluye a Bill Gaines, Al Feldstein, Wally Wood, Joe Orlando, Reed Crandall, Al Williamson y Jack Kamen, George Evans, John Severin, Bill Elder, Jack Davis, Johnny Craig y Marie Severin. Y es que siempre es un placer para mí leer una de estas ediciones recopiladas de la EC. Nunca dejo de sorprenderme el nivel de arte e historia de estos cómics clásicos donde la buena escritura y los finales sorpresa hacen que este hermoso arte sea aún más agradable. Recomendado por siempre. Ya deberíais saber que la EC es una de mis debilidades; nací, leí y escribí siempre con la idea de estas historias en la cabeza. Lo mamé y me encantan estas historias gráficas del EC Archive y las extrañé cuando dejaron de estar presentes en librerías. Por lo que leerlos ahora es un placer.

¿Y qué tengo que decir de este volumen? Pues que puede ser seguramente de los tres, el que contenga las historias más aterradoras, así como algunas circunstancias “divertidas”. Por eso agradezco muy mucho a Diábolo Ediciones este PASO ADELANTE que está dando en nuestro país. Si alguna vez te preguntaste porqué la EC recibió tanta crítica por sus cómics a mediados de los años 50, no tienes que ir más allá de este volumen de Shock Suspenstories. Las historias son espantosas, horror puro, cualquier cosa que se haya mostrado en la televisión en horario estelar durante décadas posteriores o en telediarios, ni se les acerca. ¿Exageración? Bueno, ver de lo que es capaz de hacer el ser humano siempre es motivo de asombro. Somos el ser más deleznable que ha pisado la tierra y en estas historias se cuenta mucha verdad aunque algunos no quieran aceptarlo. En este volumen, vemos a un soldado que regresa reprende a sus padres y a su pueblo por negarse a enterrar a su camarada fallecido (que es negro) en la parcela familiar en su pueblo rural predominantemente blanco. Un niño y sus padres cuentan la historia de su crecimiento a través de sus propias perspectivas y vemos cómo eso conduce al niño a la silla eléctrica. Un hombre sospecha que su esposa le engaña con su mejor amigo y planea su asesinato solo para descubrir que en realidad estaban escondiendo una fiesta sorpresa de aniversario de “Vas a ser papá».

Ufff… ¿no? Y estos son sólo algunos de los grandes cuentos incluidos en este otro/nuevo volumen magnífico que no deberíais perderos.

Reseña: Sky Masters of the Space Force (1958-1961)

Otro boom para mí de las últimas semanas fue descubrir que Aleta Ediciones publicaba en español la recopilación completa de las tiras diarias de la serie clásica Sky Masters of the Space Force. Todo lo que se publicó desde 1958 hasta 1961, tal como dice la sinopsis editorial: ¡La épica aventura creada por Jack Kirby y Wally Wood por fin completa y mejorada.

Dos maestros de maestros, dos dioses del cómic haciendo lo que mejor sabían hacer. ¿Es decir? Es decir, un tomo imperdible para todo amante del cómic, un volumen del que hasta el momento era muy difícil encontrar copias a precio razonable. Porque Sky Masters of the Space Force es un trabajo de amor por un género. Esta primera colección completa de las tiras cómicas dominicales es verdaderamente una belleza. Un tomo que además cuenta con una nueva traducción de José M.ª Méndez, lo que mejora con creces la anterior edición de la desaparecida editorial Glénat. La calidad de reproducción de muchas tiras en aquella edición era superable, ya que la principal fuente era limitada. Un título inspirado en los incipientes pasos de los Estados Unidos en el espacio exterior, unas viñetas que fueron la incursión más exitosa de Kirby en las tiras periodísticas, publicándose por primera vez en entregas diarias a partir de septiembre de 1958 y con tiras dominicales añadidas a partir de febrero de 1959. Y aunque inicialmente, los guiones fueron proporcionados por Dave Wood, colega de Kirby en el título Challengers of the Unknown de DC Comics, después se incorporó al equipo el genial Wally con las tintas, el legendario artista de EC Comics/Mad Magazine, que también había trabajado en las historias de Challengers… con Kirby. Fue entonces que tras la unión de estos dos gigantes del cómic se parió un título tan especial como el que os traigo hoy.

Wood hizo por su cuenta historias clásicas basadas en el espacio y la combinación de sus ricas tintas en varios equipos espaciales y paisajes lunares con las dinámicas figuras de Kirby quedó espectacular. Todo eso lo tenéis aquí. Si bien Wally Wood recibe la misma atención de nuestros ojos ya en la portada, debe mencionarse que solo las primeras veintidós tiras presentan sus tintas. El resto fue entintado por Dick Ayers, o por Kirby solo con la ayuda de su esposa, Roz. Y Kirby también escribió muchas de las tiras posteriores por su cuenta. No fue un trabajo conjunto en ese sentido. Por eso ocurre que si bien Kirby da algunos saltos imaginativos al llevar al hombre al espacio y a la luna, antes de los acontecimientos reales, la acción es a nivel humano y se basa en una tecnología emergente o imaginada. Pero como resultado, quedó algo bastante realista. No hay extraterrestres ni pistolas de rayos, pero, como hizo a lo largo de su carrera, Kirby imagina algunas cosas que eventualmente se hicieron realidad, como libros electrónicos, tablets, portátiles o ipads (es muy posible que estés leyendo esta reseña en uno de ellos ahora mismo).

Os contaré también que «Sky» Masters, el personaje principal aquí, y sus colegas de la Fuerza Espacial (la Space Force, sí, Kirby también inventó ese término) son un grupo atractivo que interactúa de una manera animada, no muy diferente a los Challengers o los héroes de Marvel que Kirby crearía poco después de la desaparición de esta tira. ¿Cómo? Sky Masters of the Space Force se terminó como resultado de una demanda presentada por el editor de DC, Jack Schiff, quien afirmó que había hecho el trato que llevó a la producción de la tira y que no se le proporcionó un porcentaje de las ganancias como se había prometido. Kirby negó que se hubiera llegado a tal acuerdo, pero Schiff prevaleció y obtuvo un porcentaje de participación en la tira. Esto llevó a Kirby a dejar de producir la tira en 1961 y a su salida de DC. Pero se fue a Marvel, creó Los 4 Fantásticos, El Increíble Hulk, Iron Man, Thor, Los Vengadores y bastantes más personajes icónicos que ya conocéis junto a Stan Lee.

Se puede decir que los fans de los cómics salieron ganando con aquella salida. Pero eso no quita que esta publicación sea un diamante en bruto.

Reseña: Lo Mejor de Pepe Gotera y Otilio, de Francisco Ibáñez

Deberíais saber que Bruguera sigue en activo. Como sello integrado en Penguin Random House Grupo Editorial sí, pero sigue siendo una editorial a seguir por su tipo de cómics, eso quizás tampoco lo sepáis. En formato tomo de calidad, lleva un tiempo publicando unos integrales la mar chulos hechos para nostálgicos del buen cómic. Una selección de los mejores títulos que el cómic español tuvo en su haber en su mejor época en tema humorístico especialmente. La colección Lo Mejor de…, comprende lo más esencial de la historieta española, autores, personajes y aventuras, de los más importantes de la historia del cómic español como 13 Rue del Percebe, Zipi y Zape, El Botones Sacarino, Rompetechos, La Familia Ulises, Delirante Rococó, Mortadelo y Filemón, Sir Tim O´Theo…, así hasta un largo etcétera de viñetario que no tienen otra intención que aportar sonrisas, risas e incluso carcajadas. Y deciros que ya he devorado unos cuantos. Por lo que me siento tentado a reseñar ya casi cada uno de ellos, por esa quizás loca afición mía a compartir sensaciones y gustos. Y por que me da cosilla que algunos tal vez no os hayáis enterado y estéis dejando pasar una ocasión genial para tener en vuestra cómicteca una buena selección de títulos y momentos que disfrutar o comentar con vuestros más allegados. Esa opción al menos, de poder disfrutar de lo que muchos de vosotros disfrutásteis en su día.

En esta ocasión, unos personajes que tal vez harán más gracia a los adultos, simplemente por las situaciones costumbristas que se darán. Uno de los más recientes tomos de la colección y uno con los que más me he reído. Y eso que en su día, cuando me salían algunas paginillas en suplementos semanales que me guardaba mi abuelo, lo dejaba pasar; rara vez los leía. A esto me refiero con que hay un cómic para cada momento.

La serie empezó llamándose Pepe Gotera y Otilio, Chapuzas a Domicilio pero el dicho popular -ya sabéis lo que nos gusta hacer en la tierra de conejos, normalmente- terminó por acortarse a Pepe Gotera y Otilio. Una serie de historietas creada en 1966 por el eterno maestro Francisco Ibáñez, donde el tema central son las cómicas aventuras de dos obreros, chapuzas y patrón, a cual más desastre. En formato clásico de dos paginas por historia, Lo Mejor de… Pepe Gotera y Otilio abre con la primera historieta oficial que se publicó el 2 de abril de 1966 en el #269 de la clásica revista Tío Vivo. Desde entonces se convirtieron en unos de los personajes más populares del autor. Un tomo ideal donde reiremos comenzando siempre cada trama con el mismo momento en el que Otilio anda intentando comerse algo y Pepe Gotera aparece por la puerta con un nuevo trabajito. A partir de ahí, cientos de situaciones rocambolescas: cañerías rotas que jamás se debieron tocar, el simple hecho de intentar subir algo por la terraza con una cuerda se convierte en una intensa pesadilla, un tejado a reparar que quizás fue mejor no tocarlo, el terrible sufrimiento de bajar un piano de un piso, un sótano hecho por equivocación… El caso es que estos dos incautos siempre terminan huyendo a golpes del lugar contratado por haberlo dejado todo peor que estaba. Je, je, je.

Lo Mejor de… Pepe Gotera y Otilio, una muy particular empresa de reparaciones. Pepe Gotera es el jefe, el capataz, el que mira y manda sin mancharse las manos y sin intervenir mucho, con bombín rojo y bigote. Otilio, el currante, aunque piensa más en la hora del bocadillo que en ponerse a trabajar, es anchote de gorra y mono azul. Al igual que en otros iconos del autor como Mortadelo y Filemón, encargado y subordinado van de la mano. Aunque el jefe es quien normalmente acaba pagando las meteduras de pata de su socio. Y todos corriendo delante del cliente enfurecido.

Reseña: Aventuras en el Planeta de los Simios, de Moench, Tusk y Alcalá

Tenemos lo que es para mí una de las grandes publicaciones del año en formato cómic. Os hablo de este Marvel Limited Edition que por muchas razones personales es uno de esos cómics, uno de esos integrales en tapa dura, que uno (que ya tiene más años que el helicóptero de Tulipán), jamás pensó tener como novedad entre sus manos. Una edición de números restaurados, la gran saga de los monos al estilo de la Poderosa Marvel, un volumen que aporta las adaptaciones de las dos primeras películas de la franquicia clásica de los años 70 (El Planeta de los Simios y Regreso al Planeta de los Simios), a todo color. Una maravilla a los ojos, a la nostalgia, al recuerdo de aquellos cómics que evocaron tanto gusto por el noveno arte casi de forma inconsciente. El legendario guionista Doug Moench, en compañía de George Tuska y el siempre magnífico ilustrador Alfredo Alcalá, recreando este mundo de ciencia ficción que tanta trascendencia tuvo. Tanto que hasta el día de hoy se sigue promoviendo esta franquicia. Nuevos cómics y próximos estrenos en cines.

La primera serie está dibujada por George Tuska y la segunda por Alfredo Alcalá. Aun así tengo que decir que fue una lástima que John Romita o John Buscema no consiguieran el trabajo porque eso estuvo a punto de ocurrir. Y hubiera molado mil. Pero Tuska y, sobre todo, Alfredo Alcalá hacen un buen trabajo. Por lo que tenemos un cómic, una reimpresión de las adaptaciones que no deja de ser interesante y ya no digo si es que llegáis a esta historia de nuevas (que de todo hay en la viña del Señor).

Tenemos las historias de las dos primeras películas escritas por el maestro Doug Moench, ambas miniseries muy apegadas al guion cinematográfico, aunque hay varias inclusiones interesantes. En la adaptación de la primera película, el Dr. Zaius se pregunta porqué Taylor habla su idioma, algo que se ignoró en la película pero que puede verse como un presagio del final… Además, en el cómic descubrimos que Nova está embarazada de Taylor, lo que hace que su muerte en «Beneath» sea aún más trágica. Estos dos temas me fliparon y me hubieran estallado la cabeza aún más, si lo hubiera leído en aquellos lejanos 70 en los que se publicaron los cómics por primera vez. Pero este que os escribe aún no había nacido, no llegó al planeta hasta el final de dicha década. Aunque, en realidad, todo vino desde 1968, cuando la 20th Century Fox estrenó una película basada libremente en la novela de 1963 de Pierre Boulle (que hay muchos que no saben que la idea original proviene del libro del escritor francés), pero a lo que vamos es que en 1975, con el siempre inquieto Stan Lee, Marvel tomó las adaptaciones, las coloreó y las lanzó como cómic de kiosco. Y lo mejor, nuevas  aventuras introducidas en este mundo “posiblemente” futurista. Verdaderas joyitas que contiene este tomo. Por eso, si eres un adicto a los simios como yo (es una franquicia a la altura de las mejores), este lanzamiento te traerá una sonrisa de bienvenida. Estos cómics son una recreación plano por plano, línea por línea, del material original del celuloide pero también nuevos retos y problema para los humanos que resisten la fuerza de la naturaleza y emergente que son estos monos inteligentes. Una colección, en un solo tomo, que no hace mucho revisé en el mercado de segunda mano y costaba un ojo de la cara no, lo siguiente. Pues a la mierda la especulación.

Si os lo perdéis, no sabría como denominaros. Aventuras en el Planeta de los Simios: La Etapa Marvel Original es UNA DE LA GRANDES PUBLICACIONES DEL AÑO. Panini y Cómics y SD lo han vuelto a hacer.

Reseña: El Hospital de la Transfiguración, de Stanislaw Lem

Tal como cuenta la sinopsis editorial, El hospital de la transfiguración fue la primera novela escrita por Stanisław Lem y, a la vez, la primera parte de la trilogía Tiempo no perdido, un ambicioso ciclo, inédito como tal durante sesenta años, que describe las vivencias del propio autor durante los duros episodios de la ocupación nazi. Esta novela fue para mí una revelación. Así que, a diferencia de otras novelas de Lem, ésta se destaca por sus aparentes raíces en la autobiografía y por su descripción de la familia y otros lugares comunes de la ficción literaria. Hay un indicio de Kafka y un indicio de Saroyan (o posiblemente de cualquier otro cronista afectuoso de una extensa familia campesina/paisana), y hay algo parecido al Yossarian, de Heller, en el joven estudiante de medicina suplente del autor. Y sí, correcto, todas estas son asociaciones muy vagas, porque esta novela es muy sui generis (tal vez no en toda la literatura, pero ciertamente en la obra de Lem). el caso es que escrita poco después de la Segunda Guerra Mundial (cuando Polonia fue absorbida por las fuerzas rusas y tuvo que someterse a otro cambio de régimen), El hospital de la transfiguración fue censurada/suprimida hasta 1956, momento en el que Lem ya había descubierto que la ciencia ficción era una ruta más fácil para alcanzar sus metas de lícita expresión y publicación libre.

¿De qué va? La historia serpentea y está estructurada libremente, siendo en sí misma una representación justa del período que describe, poco después de que los nazis invadieran el país en 1939 y desplazaran el liderazgo y comenzaran a instituir el cambio social; el protagonista que se había graduado recientemente en la escuela de Medicina, regresa de mala gana a su pueblo para el funeral de su tío. En este funeral, un ex-estudiante de medicina le cuenta que hay trabajo en el manicomio/hospital psiquiátrico cercano, el Christo Transfigurato. Entonces, sin mucho preámbulo, Stefan es contratado en el hospital y rápidamente aprende los entresijos, lo que implica una dosis adecuada, entrevistas con los pacientes, papeleo y rondas inconexas por las diferentes alas y terrenos del hospital.

Hay numerosos «personajes», tanto reclusos como personal, y Stefan se siente atraído/rechazado de manera ambivalente por «el genio», un poeta que puede o no haberse internado para evitar responsabilidades mundanas «allá afuera». Él y Stefan entablan discusiones filosóficas, y Stefan siempre se siente menospreciado en presencia de este señor. Un sentimiento de insuficiencia/humillación también impregna sus relaciones con una miembro del personal atractiva y carente de afecto con quien no logra conectar. Hay otros casos de insuficiencia/humillación cuando se trata de pacientes a quienes parece que no puede ayudar.

Al igual que el genio, Stefan se siente en el hospital, en un oasis, separado y aislado de las preocupaciones de lo que hay afuera. Sin embargo, en sus paseos fuera del hospital/manicomio, Stefan se da cuenta de un movimiento de resistencia activo, que tiene su base en una central eléctrica cercana. Le sorprende que los civiles comunes que ve en la central eléctrica tengan tales ambiciones y…, aquí es donde la novela se vuelve una obra de arte, un pasa-páginas de la muerte.

Decidí un día leer todo lo que pudiera de Stanislaw Lem y con cada libro me enamoro más de este genial autor. El hospital de la transfiguración es una mezcla seductora de lo hablado y lo no dicho, de lo literal y lo poético, un registro directo y una sátira sutil. Como contando la vida de otra persona pero que obviamente la historia de Stefan Trzyniecki es un reflejo del propio Lem, tenemos una de las más poderosas obras de Lem, nuevamente publicada por Impedimenta Editorial.

Reseña: Ira Dei, de Vincent Brugeas y Ronan Toulhoat

Históricamente, antes de leer sabía que, por ejemplo, Tancredo de Hauteville era el padre de Guillaume (o Guillermo) Bras-de-Fer. En este cómic que os traigo hoy, Tancredo y Guillermo son dos guerreros normandos, sin relación aparente y ese anacronismo me dejó con el culo torcido. Inmediatamente me confundió. Así que me dispuse a leer con muchas ganas este Ira Dei ahora que Yermo Ediciones lo tiene en su catálogo de cómic europeo en un tomo que recoge los cuatro álbumes de los que se compuso la serie.

La sinopsis nos dice que nos vamos al año 1040. El ejército de Bizancio intenta reconquistar Sicilia, en manos de los árabes, mientras la ciudad de Taormina sigue resistiendo a Harald, el terrible jefe varego que lidera las tropas bizantinas. Pero un normando llamado Tancredo y Étienne (un joven monje legado del papa), ofrecen los servicios de su tropa de mercenarios a Harald, con un trato muy peculiar: si logran hacer caer Taormina en tres días, recibirán todas las riquezas que existen. Y eso ya sabemos que traerá consecuencias y nefastas seguramente.

Respecto a mi desincronización histórica con el argumento (sé algo de estos temas porque estoy a un paso de ser un medievalista por amor al arte), además Trancredo desea llamarse Robert. Pero ojo, no creo que «Robert» esté vinculado aquí a la historia real (estaba Robert Guiscard, hijo de Tancredo, medio hermano de Guillaume Bras-de-Fer, precursor del reino normando de Sicilia, y él también llegó a Italia tras la muerte de Guillaume Bras-de-Fer). No, no, desestimé el tema porque creo que Vincet Brugeas se limitó a establecer sólo un vinculo de leyendas. ¡La de Roberto el Diablo! Por eso, a lo largo de la historia contada en este Ira Dei, nos enfrentaremos a un personaje, a veces Tancredo, el legal bueno, a veces Robert, el aterrador y despiadado. Esta ambigüedad confiere una profundidad increíble al personaje principal y eso me encantó, porque asociado al tremendo dibujazo de Toulhoat, tenemos un cómic europeo que es de esos que se disfrutan a tope a poco que ames el tema histórico medieval.

En cualquier caso, el entorno o marco es suficiente por sí solo: Sicilia era un lugar complejo en aquella época, un estilo al Abismo de Helm de El Señor de los Anillos pero con más gente y de diferente índole. Imaginaros: árabes, bizantinos, normandos, varegos… (vikingos mayoritarimente suecos) en Sicilia, un lugar no muy grande gobernado por la presencia del islam, la ortodoxia y el catolicismo, en definitiva. Los credos enfrentados. Ahí es nada. Un lugar así en un cómic donde ver todas las cuestiones de poder para cada civilización reunidas en una región tan pequeña y tan estratégica como fue dicha isla. Por eso tengo que decir que es sumamente ambicioso abordar este tema y felicito a guionista y dibujante por el trabajo realizado. Y quitando esa mezcla de leyenda e historia que no queda muy clara, y que por supuesto solo puede molestar tiquismiquis amante de la Historia como yo, tenemos un cómic que se disfruta una barbaridad.

Un integral chulo de verás que hará las delicias del buen amante de cómic europeo.

¿Conseguirá llevar a cabo su misión Tancredo, este guerrero de pasado misterioso convertido en un arma de la Iglesia?

Tendréis que descubrirlo por vosotros mismos.

Ya el álbum introductorio tiene una fuerza increíble.

Reseña: Los Viajes de Marco Polo, de Guido Martina y Romano Scarpa

Este es un clásico de la literatura pero también un viaje inolvidable en formato cómic Disney donde un gran viajero entre los siglos XIII y XIV se convierte en parodia gracias a dos estrellas del cómic italiano como fueron Guido Martina y Romano Scarpa. Y es que como dos grandes cinéfilos que fueron estos maestros italianos, aquí dieron lo mejor de sí en una historia llena de flashbacks con un final donde la ficción y realidad se fusionan.

La storia di Marco Polo detta Il Milione, como se llamó originalmente, es una historieta cómic de Disney que se publicó en Italia en 1982. Y no mucho después se reimprimió en varios países del mundo. Aunque inspirado en la obra biográfica del mismo nombre de Marco Polo, nació como una parodia del drama de Marco Polo transmitido en Italia ese mismo año por la televisión estatal.

La trama nos cuenta como Scrooge McDuck compra unos estudios de producción de televisión porque tiene el deseo de hacer una película sobre la historia del famoso italiano. Por ello, encarga a Mickey que escriba el guion y luego llama a familiares y conocidos para contratarlos como actores (siempre mal pagados, ya sabéis de la avaricia del colega), pero como Mickey Mouse le cuenta al elenco el guion, Scrooge, preocupado por el excesivo desperdicio de recursos, poco a poco corta muchas de las escenas, proponiendo simplemente narrar un resumen de las partes cortadas. No obstante, al final, gracias a los celos de Daisy hacia Donald, que se encontraría interactuando con una bella joven actriz, el proyecto sale mal.

Los viajes de Marco Polo fue publicada en cuatro entregas en la famosa revista Topolino entre los números 1409 y el 1412, del 28 de noviembre al 19 de diciembre de 1982. Ahora por  fin disponemos de esta joyita en un tomito recién publicado por Panini Cómics dentro de su colección Biblioteca Disney. Y si has leído hasta aquí, me da que quieres este tebeo y harás bien en obtenerlo antes de que desaparezca del mercado.

Estás a tiempo de adquirir esta joyita.

Reseña: Museum (Integral), de Ryosuke Tomoe

Siempre lo he dicho. Museum puede ser el manga casi perfecto. En mi haber tengo ya leídos unos ochocientos títulos de manga diferentes (los tengo contados) y cuando das con una joya de historia así, la reconoces. La lectura y búsqueda de buenas historias es una “lucha” en la que nunca debes desesperarte. Es un viaje en barca cruzando el Gran Azul, un viaje entre la diversidad y la mediocridad aunque la originalidad del 98% de los títulos mangas que existen, eso no te lo quita nadie. Museum es un thriller al estilo de la peli Seven, aquella que tanto nos impactó en los 90 con Brad Pitt, Morgan Freeman y, sobre todo, un Kevin Spacey en sus primeros años, más terrorífico que nunca. Aunque también tiene un aire a Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie), el film surcoreano súper recomendado que está basado en hechos reales y que nadie debería perderse.

De entrada, nos llevan a una trepidante investigación con horribles asesinatos llevados a cabo con absoluta violencia. El ambiente rápidamente se vuelve pesado con esta lluvia que no deja de caer. Crazy Frog (un asesino con máscara de rana) deambula por las calles para completar su malvado trabajo. Las almas sensibles se abstienen y…, entonces nos adentramos en un manga oscuro como pocos, cautivador, que roza la obra maestra en términos de ficción criminal.

Hay que decir que el personaje principal y sus problemas no enganchan mucho pero te llevan a descubrir elementos de la trama que sí que atrapan y sirven cuando los relacionas. Un thriller con varios momentos de tensión. Un manga que empecé a leer en primeros números suelto y paré. Me dije: Esto quiero leerlo al completo y a ser posible de un tirón. Y sabía que tarde o temprano la opción del Integral estaría disponible. Y como el momento llegó, lo adquirí, leí y devoré y lo disfruté de todas-todas. Una historia donde sólo hay que aceptar que a veces el asesino parece ser demasiado fuerte para hacer todo lo que quiere y la violencia con fuerza es mostrada en su máxima expresión.

¿El dibujo? Los gráficos son impecables: es una auténtica bofetada visual. La producción del mangaka Tomoé Ryôsuke parece completamente dominada. El villano es carismático en su locura. El final es tan cruel como inquietante. Muy eficaz, y en mi caso, me proporcionó un déjà vu que aún estoy intentando descifrar. Son los dibujos que se suelen encontrar en los mangas de suspense o terror para adultos, sí, pero tened en cuenta que estamos ante uno de los mejores thrillers, retorcidos y oscuros.

Museum es un thriller que recomiendo absolutamente.

Uno de los mejores mangas disponibles en el mercado.

Una historia imposible de olvidar. Y a la que volveré como inspiración cuando quiera apoyarme en una las mejores lecturas-thriller que he leído en toda mi vida.