Reseña: Las Tortugas Ninja. Tortugas por el Tiempo, de Jan Strnad, Peter Laird, Kevin Eastman y Richard Corben

Si tuviera que recomendar ahora mismo un volumen de estos retomados que estamos teniendo gracias a ECC Ediciones de Las Tortugas Ninja, sin duda, es el que hoy os reseño. Una Edición Deluxe además potente para este efecto nostalgia que se está usando no solo en cómics, también en muchas otras difusiones del arte que nos gusta leer pero, sobre todo, tener a los viejóvenes. Y es que, como bien se indica en la sinopsis editorial, las aventuras originales de Las Tortugas Ninja hicieron historia cuando demostraron que el público estaba dispuesto a devorar historias que procedían de un mercado independiente. Y añado: en formato cómic. Porque por lo menos en nuestro país, el boom lo obtuvo la serie animada y posteriormente la primera peli. Pero en cómic, pese a ser su formato original, en nuestro país no gozó de mucha fama al principio, en especial, porque lo que llegaba a tierras hispanas no eran otra cosa que la traslación de los capítulos animados al papel. Pero había más, algunos indagábamos y vimos que había todo un oasis de obras que casi treinta años después están viendo de nuevo la luz, y lo mejor, nuevas obritas que parten de autores que vienen con muchas ganas.

Sin contar las encomiables aportaciones de maestros que podemos encontrar como en este caso del dios de la ilustración semi-realista Richard Corben; un encargo que le viene de los ya adinerados dueños de la franquicia Kevin Eastman y Peter Laird, los cuales buscan hacer algo grande con los personajes y miran nada más y nada menos que hacia uno de los maestros del noveno arte. Para Tortugas por el Tiempo además confían en Jan Strnad para el guion, colaborador habitual de Corben en cómics como Jeremy Brood, RageMoor o la gloriosa Mundo Mutante que también disfrutamos hace no mucho por aquí (https://www.cronicasliterarias.es/?p=8447).

Turtles take time es básicamente ver a nuestras tortugas devoradoras de pizza favoritas viajando a través del tiempo. Cuando comienza el problema, nuestras cuatro amigas (o amigos) están luchando contra piratas en alta mar. Una vez que las Tortugas han limpiado la cubierta de esos asquerosos filibusteros, Donatello (mi favorito) saca un cubo extraño de su cinturón. Descubrimos que el cubo es un dispositivo de viaje en el tiempo que los muchachos obtuvieron de Renet, el no tan hábil asistente de Lord Simultaneous, a quien conocimos exactamente en el TMNT #8. Entonces, Don cuenta como llegó a él: mientras los muchachos estaban sentados quejándose de su aburrimiento, el hexaedro «anamórficamente autosincrónico» se materializó de la nada justo ante sus ojos. Junto con el cubo vino una nota de advertencia de Renet… una nota que no se molestó en leer. En cambio, Don fijó la fecha en el cubo en el 1500 d.C. y los muchachos fueron instantáneamente teletransportados en el tiempo a la cubierta de ese buque portugués en el que se encuentran ahora donde acaban de tener tan épica pelea.

Las Tortugas descubren exactamente lo que significa «anamórficamente autosincrónico», ya que han sido cambiados misteriosamente durante su viaje: no solo las Tortugas están ataviadas con atuendos de espadachín, sino que Don ahora tiene… ¡una pata de palo! ¡Leo, un parche en el ojo! ¡Raphael, los dientes podridos! ¡Y Michelangello… un bigotudo de renombre! Después de los agradecimientos del capitán del barco por “dejar listos” a los piratas, Donatello activa el hexaedro nuevamente y las Tortugas son teletransportadas a…

Las Tortugas Ninja viajando por cuatro períodos famosos de la historia. Desde la edad de oro de los mares hasta los inicios de la humanidad. Después de una serie que llevaba bastante tiempo realizándose en blanco y negro, para el número #33 (el inicio del arco Tortugas por el Tiempo) se hizo en color. Para ello se pensó en un grande de la ilustración e hicieron bien en contratar a Corben pues menudos dibujazos se marcó. Y en esta Edición Deluxe está la prueba de ello.

Reseña: Steranko. Nick Furia Agente de S.H.I.E.L.D.

La colaboración editorial que lo está petando en nuestro país en cuanto a tema cómic es la que la que junta a Panini Cómic con SD Distribuciones. Los benditos, maravillosos y casi en un cien por cien indispensables cómics de al menos leer una vez en la vida. Los geniales Marvel Limited Edition; ediciones, tiradas limitadas de cómics muchos perdidos en el tiempo, muchos, imposibles de encontrar hoy en día en nuestro idioma. Los rescates de obras que se están haciendo en este formato son puro mithril, my friends. Un ejemplo de ello es el tomazo que se acaban de marcar este mes con Steranko: Nick Furia Agente de S.H.I.E.L.D. Un titulo que como muchos supondréis, recoge el breve paso pero potente del maestro de Pensilvania, nacido en 1938 y que aún tiene pelazo. El dibujante de cómic estadounidense James Steranko. Que aunque breve, insisto, de todos es conocido que su trabajo más célebre es éste que realizó con Nick Furia.

Innovador de la Edad de Plata del cómic de superhéroes, el maestro Steranko introdujo el surrealismo en una forma distinta a la que venía siendo introducida en la serie del Doctor Extraño. Su técnica narrativa, a pesar de ser algo común hoy en día, fue una gran novedad entonces, donde acostumbraba a narrar prácticamente todo lo que sucedía en las viñetas y se permitía hacer algo diferente en la época como introducir tres páginas de “movimiento” sin un solo diálogo o efecto de sonido. Y es que a mediados de los años 60 del siglo pasado, Jim Steranko irrumpió en la Era Marvel de los cómics a lo grande. Se extrajeron de sus diseños innovadoras técnicas cinematográficas y muchas se mantienen a día de hoy dentro de la narración gráfica. Como os decía, más que con cualquier otra serie, Steranko siempre se asocia a la figura de Nick Furia. De hecho, si nunca leíste nada del personaje, este volumen y no otro, debería ser tu primera opción.

Steranko: Nick Furia Agente de S.H.I.E.L.D. es lo que se llama una Artist Edition de una serie que recopila las historias de la carrera de Steranko con el personaje. Historias que originalmente fueron publicadas en los Strange Tales del #151 al #162. Así como todas sus portadas y un selecto número de extras presentados. Una obra que sale del arte original, de los archivos privados del propio Steranko. Impresionante y asombroso trabajo presentado en su tamaño original, donde los lectores no solo podemos ver cómo se desarrolla el estilo de Steranko en una docena de números, sino encontrar también los tres primeros diseños de características de Jack Kirby para así comparar. Donde curiosamente el dios Jack Kirby es sobrepasado en la autovía del gráfico a doscientos por hora por un Lamborgini, un estilo de Steranko que esplende en cuanto encuentras la primera página en la que todo el papel es para este señor. ¿Y qué vas a encontrar aparte de un lujo para los ojos? La dupla que se marcaron en estos números el Doctor Extraño y Nick Furia. Donde Umar, La Innombrable, Hermana del terrible Dormammu, vuelve a estar en libertad. Viajar a la Dimensión de la Muerte y encontrarse a toda velocidad a través de los páramos interminables de la nada, en un fatídico viaje a la dimensión oscura más allá del alcance más lejano de la comprensión mortal. Liberar a la inocente Clea del cautiverio, pero obligados a enfrentarse a todo un ejército asesinos descerebrados. O el innombrable Umar lanzando un hechizo de muerte a través del vacío infinito hasta donde está encarcelada Clea. Y Nick Furia entrando en acción para ayudar a Strange.

Y el malvado Barón Mordo adquiriendo nuevos poderes.

Un producto de primera calidad. Un volumen bien producido. Con algunas primicias en cuanto a contenido. El propio Steranko diseñando incluso los créditos, el índice y los separadores de capítulos y la portada. Steranko recordándose a sí mismo en el apogeo de su talento.

Reseña: El Asesino (Integral 1) , de Matz y Luc Jacamon

En cómic europeo, los que somos fans de toda la vida y hemos podido devorar títulos bien sea por poder acceder a estos chulos álbumes por “herencia” porque seamos sinceros, no es el tipo de vicio más barato dentro del noveno arte… Los que leemos desde siempre, estamos súper encantados con esta maravillosa época de las integrales. Se entiende que ya tenemos una edad, que nuestro tiempo es limitado pero que conseguimos encontrar huequecillos y el dinero no tiene porque ser un problema. Es por eso que los integrales nos hacen más bien que mal. Poder leer obras que ansiamos leer y tener, y la disposición de tener en un sólo volumen varios álbumes, gusta. Nos pone. Y gracias a las editoriales que tenemos en nuestro país pues van llegando cositas que molan cantidad. Este pensamiento ha vuelto a mí mientras devoraba el primer volumen integral de El Asesino que recién publica Norma Editorial. Cómic que a poco que busquéis referencias lo vais a ver valorado de notable como mínimo. Y no me extraña porque es rápido, directo y endiabladamente efectivo. Devoré los álbumes uno tras otro. Esta es la típica serie que no esperas y que terminas adorando a las pocas páginas. Diciéndote, por cosas así, merece leer buen cómic europeo.

En El Asesino tuve la impresión de encontrar a un pariente de León, el famoso asesino a sueldo de Luc Besson. Porque para este señor al que se le puede llamar simplemente Asesino, su trabajo es como cualquier otro, incluso si la hemoglobina está presente a menudo. Está solo y sin amigos, como muchos seres humanos acaban sus últimos días. Es sólo el dinero lo que le interesa porque tampoco es tan viejo como para no necesitarlo. Nuestro héroe (porque para mí lo es después de la lectura) es un tío frío pero entrañable al final. No hasta el punto de encontrarlo simpático pero esa, my friends, es la ambivalencia de esta serie. Y todo se va al traste porque aunque siempre cumplió contratos sin dejar huella, un nuevo encargo le compromete y le obligará a salir a la luz.

El primer álbum es, con diferencia, el mejor escrito y el mejor de la serie. Es como esas pocas series de TV que les sale un primer capítulo redondo, vendible al productor más crítico y más odioso, pero en este caso, todo lo que sigue no anda muy lejos del nivel. En particular, la atmósfera que se genera con este personaje esperando y pensando en su apartamento, nos permite conocer su visión del mundo. Y es que uno/a casi podría pensar que el primer volumen es suficiente en sí mismo, todo está ahí, los demás álbumes (aunque no todos porque este sólo es el primer integral) agregan ideas y profundización del personaje. Y eso completa bastante. Matz logra así sacar de la banalidad lo ordinario de sus relatos. El cinismo, las reflexiones de este asesino amoral, desilusionado y anónimo (que sería casi un hombre corriente, si no fuera por su «sucio» trabajo) hacen que se incline hacia ciertos personajes del thriller de Manchette. También hay que decir que el dibujo de Jacamon tiene mucho que ver con la fluidez de la lectura, en un estilo semirrealista eficaz, dinámico y de trazo agradable a los ojos.

Hay que decir que el tono adoptado (falsamente despreocupado, casual), la narración (la mayoría de las veces los textos en off están formados por estados de ánimo, reflexiones de nuestro héroe-asesino, siendo estos comentarios mucho más numerosos que los diálogos), mas, todo contribuye a desarrollar una atmósfera asombrosamente tranquila, equilibrada y “clara”, aunque el tema se presta más a la oscuridad y al ritmo entrecortado.

El Asesino es otra gran serie que no había leído y de la que quiero más. Me encanta como los autores ofrecen el retrato de un asesino solitario, cínico, frío, metódico y sin escrúpulos que da escalofríos porque el relato de sus hazañas mortuorias se vuelve fascinante a medida que pasan las páginas. Y con secuelas de guion más orientado hacia una geopolítica invasiva, entre ricos, cubanos, venezolanos y toda una operación de manipulación. Esta serie es una joya. Sin tiempo muerto. Hay ritmo. Hay tantos giros y vueltas que no puedes dejar de leer. Los flashbacks son numerosos pero esto no rompe el ritmo de lectura. Solo un breve descanso para recuperar el aliento…

Estoy seguro de que sois todos iguales. Cuando estáis en una librería o librería especializada buscando carnaza, estáis buscando un álbum que guíe vuestros sentidos y buscáis la perla de vuestra vida en formato viñeta. Ese tomo que después de gastar los billets quedes contento. Pero hay algo mejor que rebuscar o curiosear desde cero. Tenéis los consejos de un profesional o amigo compartidor de gustos que en mi caso es mi tito americano del que ya os he hablado. El mismo que me dijo: Sí ha salido en castellano, ve a pillarlo sí o sí. Un brillante thriller del que Netflix prepara una adaptación cinematográfica para ya.

Reseña: Marvel Must-Have. Masacre. El Bueno, El Feo y el Malo, de VVAA

Nunca he sido muy fan de Deadpool. Y no porque no me guste sino porque ha sido uno de esos “elegidos” que fue caminando por la otra acera, la acera de mis personajes o cómics no leidos de la infancia porque simplemente no se terció ponerme con él. Con los años, he podido leer cositas y me he ido enganchando, pero como es un personaje muy alterno y con poca continuidad además de que en nuestro país en los 80 o 90 apenas llegaban cómics suyos; pues no surgió. No obstante, ahora, que casi todo se publica, a poco que esté a mano, intento devorar cositas de este original superhéroe porque las risas están aseguradas. Y leyendo, y leyendo, me he dado cuenta que una de los temas más importantes de su obra es el equilibrio. No es suficiente que Deadpool sea divertido. Tiene que haber un cierto nivel de patetismo en su núcleo. Tiene que ser serio a veces para realmente gustar. Porque no sé ustedes pero yo tener un amigo que se lleva todo el punto día haciendo bromas, pues como que no. Y Mark Waid debe haber caído en la cuenta de esto también. Y Joe Kelly. Y otros como Fabian Nicieza, Frank Tieri, Rick Remender y Gail Simone sabían que no todo debían ser bromas. Pero en un porcentaje alto, sí. Y ese es uno de mis principales problemas con la larga carrera de Daniel Way sobre el personaje. En el último volumen, se negó a tomarse a Masacre en serio. Por suerte, hoy os reseño un Must-Have que no cae en esa trampa.

Brian Posehn y Gerry Duggan tuvieron un comienzo difícil al iniciar el nuevo volumen de Deadpool para Marvel Now! Su primer arco narrativo, ese en el que Deadpool luchó contra versiones zombies malvadas de presidentes muertos, tenía seis números cuando realmente debería haber tenido cuatro. Afortunadamente, se les dio una oportunidad más y esta “segunda” historia llamado El bueno, el malo y el feo, es un título no sólo inteligentemente bien hecho sino ideal para recomendar como primera lectura. Una chulada de cómic que publica Panini Cómics y que además te llevas a casa por nada y menos con una aventurita muy entretenida y con la idea de un 3×1 súper guapo en superhéroe; Masacre más el Capi más el siempre hosco hermano mayor Lobezno.

El Deadpool #13 y #14, con Scott Koblish a los dibujos, actuaría como preludio de este arco argumental que comprendería hasta el #19. Se pone en marcha con los recurridos  y siempre efectivos y recurridos flashbacks. Deadpool/Masacre se presentó por primera vez en 1990, pero ¿y si realmente existiera en el canon del Universo Marvel antes de eso sin que lo hubiéramos sabido? En el inicio nos topamos con lo que Deadpool hacia a finales de los 70 era, cuando formaba equipo con un Luke Cage reacio y de blusa amarilla y un Puño de Hierro en su perenne línea. En esa historia se enfrentan a un proxeneta albino llamado el Hombre Blanco. Pero en el número que sigue, vemos al Hombre Blanco regresar en el presente y esa amenaza se mantiene. Pero resulta que esta misión tienen mayores ramificaciones en la historia de Deadpool. Y eso que hay una trama secundaria que ha estado ocurriendo sobre personas misteriosas que tranquilizan a Deadpool al azar, extraen sus órganos y luego se van. Finalmente, algo tendrá que hacer algo al respecto y en su investigación descubre que un hombre llamado Butler ha estado detrás de estas acciones durante años… Gente que experimenta con él…, con Masacre, en todos los sentidos.

Como un ejercicio de meta-lectura, al igual que yo como seguidor del superhéroe, el personaje de Deadpool tuvo muchos problemas de continuidad en sus propias historias. La mayoría de los guionistas que han tenido la oportunidad de hacer algo con él, han ignorado todo lo anterior, casi todo su alrededor y escribieron una historia para el personaje que les pareción bien. Y entonces entre los lectores surgen dudas como: ¿Deadpool es canadiense o de Ohio y se mueve más que los precios? ¿Lo abandonó su padre o fue un militar borracho que murió quemado? ¿Su madre murió de cáncer cuando él era pequeño o abusaron físicamente de él en su adolescencia? ¿Es Deadpool realmente «Wade Wilson» o es una identidad que le robó al hombre que luego se convirtió en T-Ray? Si bien no tengo respuestas para nada, solo decir que lo mejor es, si ves una aventura que te atrae de Masacre, que abre y cierra en el mismo tomo, y que apenas habla sobre “su historia”, os aseguro que es recomendable como mínimo.

El bueno, el feo y el malo es un ejemplo de ello.

Reseña: Battle Action, de Garth Ennis y VVAA

Battle Action es el cómic bélico rescatado que hará llorar de alegría a cualquiera que haya disfrutado de los viejos cómics del mismo nombre. Y si no llorar, que a veces puedo ser exagerado, sí que noté el vello de punta recordando lo bien que lo pasaba de pequeño con estas historietas.

Uno de esos niños debió ser el ya maestro del guion Garth Ennis, del cual ya conocemos su amor por los cómics descarados pero también las historias clásicas de guerra. Es decir, el serranito o sandwich-mixto vegetal para que se me entienda, un cúmulo de ideas rescatadas para conseguir que todo se haga bien en este volumen que publica Dolmen Editorial, y que justifica por un lado la compra de algo que sin duda van a disfrutar los amantes de lo bélico, y por otro, los fieles seguidores de Ennis. El genio que siempre goza de un alto nivel en todo lo que escribe o reescribe. Posiblemente el mejor escritor en activo, el top-one de muchísimos fans del noveno arte.

Porque sabemos que Ennis, siendo un gran admirador de los semanarios británicos de los viejos tiempos, tomó siete historias de cuando la frase de engancha en portada era ¡Grandes aventuras en el interior! Y con ellos escribió un nuevo capítulo de cada uno, con la ayuda y la complicidad de algunos de los mejores ilustradores que se asientan en el Reino Unido. Y sólo ojear el tomo por primera vez me puso la piel de gallina. A veces, los friki-cómics somos asi de monguers, sí, llevamos dentro lo que los grandes espíritus de Kirby, Lee, Eisner, Miller, Mignola o Ross inspiran. Como un anuario de guerra de noventa y seis páginas, los planetas se han alineado para que Dolmen Editorial publique esta chulada. ¿Y qué contiene? La primera historia es para mí la más poderosa de todas. Johnny Red contra Skreamer de los Stukas es donde el as de la aviación se enfrenta al temido coronel por la soberanía del cielo en el frente ruso. Épica a tope. Visto está que Ennis no era ajeno a este personaje y tenía algo que decir sobre él junto al dibujante Keith Burns. Una magnífica historia con batallas tácticas inteligentes protagonizadas por viejos aviones de por medio. Un buen comienzo. El arte en color se convierte en blanco y negro a continuación, ya que la versión de Ennis de El Sargento, de Gerry Finley-Day, es una lección de historia más sencilla que cualquier otra cosa. Pero funciona bien y con una trama fácil (una escuadra dirigida por el sargento Jim Masters intenta cruzar Italia sin morir en el intento); los miembros principales de la sección están esbozados magistralmente.

El tema bélico a tope continúa con Crazy Keller, pero esta vez es un asunto más ligero, lidiando con un capitán yanqui cuyo objetivo principal es sobrevivir a la Segunda Guerra Mundial con más dinero del que ingresó. Curiosa trama que no conocía o de la que no recuerdo nada. Crepitante guión de Ennis bien ilustrado por Chris Burnham.

Pero no solo se trata la guerra aquí. Dregger fue una tira cómica de los años 70 que tomaba prestado generosamente lo que era popular en ese momento: dramas policiales británicos duros como The Sweeney. Dredger, que fue expulsado de los marines por brutalidad (creo que estamos de acuerdo en que es un logro, sobre todo, los que hemos sido militares profesionales), un tipo que soluciona problemas para el Gobierno y eso es realmente todo lo que necesitas saber… Las demás historias os dejo que las descubráis vosotros mismos.

A diferencia de otros cómics bélicos del irlandés, en Battle Action vais a encontrar al Ennis bueno, por la caradura con la que se le conoce. Este es Ennis sin correa y se le permite cagar en jardines de bellas flores con una violencia exagerada al estilo de lo que hizo con The Punisher. Y por ahí van los tiros, nunca mejor dicho. Una carta de amor de Ennis a un género, a una época, a un tipo de cómic que lo atrapó. Que nos atrapó.

Reseña: Marvel Omnibus. X-Statix, de Peter Milligan y Mike Allred

Uno de los nuevos cómics que se me hizo indispensable de tener en formato integral u omnibus a pocas grapas de leerlo fue X-Statix. Peter Milligan haciendo lo que mejor sabe hacer. Una serie donde los superhéroes son lo que de verdad serían si fuesen reales. Influencers, buscadores de fama, dinero, sexo, lucrarse con cada aparición que hacen. La puta realidad de los superhéroes hecho cómic. Un tochal que recoge los primeros números donde apareció o formó este grupo (X-Force #116-#129) más su miniserie o cabecera inicial (X-Statix #1-#5) de la que cientos y cientos de fans esperamos una continuación. Los mutantes subversivos amantes de los medios de Peter Milligan y Mike Allred, el mundialmente famoso grupo ya denominado X-Statix, protagonizan una serie de aventuras extrañas, hilarantes con un portentoso final. De ahí que no se nos queda la miel en los labios a los que disfrutamos tanto de esta serie.

Aquí podréis encontrar a un equipo de mutantes del Universo Marvel, cuyo nombre deciden cambiarlo. La serie iba a ser un «restyling» de X-Force, pero la cabecera no alcanzó los picos de venta esperados en los 90. Y se decidió que era por no tener «punch» en la denominación. Joe Quesada, entonces Editor en Jefe de Marvel, queriendo un cambio decisivo, encomendó la operación de renovación a Peter Milligan, uno de los grandes guionistas de éxito en las últimas publicaciones de Vértigo. Y a Mike Allred, célebre ilustrador muy amado por los fans. Al cambiar de nombre, X-Statix se presentó casi como una sátira del mundo del espectáculo. Por lo que se desmarcó definitivamente de la clásica X-Force. Aquí podréis encontrar a mutantes como Anarquista, cuyo poder consiste en emitir un sudor ácido que le permite crear energía prácticamente de la nada. Junto a él, U-Go Girl, sobrevive a la masacre del equipo original y se convierte en parte del segundo equipo. También Bloke, es un enorme mutante de San Francisco con la capacidad de cambiar el color de su piel como un camaleón y obtener súper fuerza. Su color original era rosa, homosexual declarado, y estaba comprometido con otro chico mutante. Pues nada, en la época, a cortar con tijera.

Tenemos también a Chica Muerta (Rayo de Luna). Doop, un extraño ser verde con forma esférica que se expresa en un lenguaje misterioso que todos los miembros del equipo conocen y que hace de camarógrafo para las misiones. Un bicharraco cuyos orígenes son misteriosos pero que el Capitán América llega a contar que, en realidad, es una súper arma biológica creada por el ejército de los Estados Unidos durante la Guerra Fría, y que hay que tener ojo porque tiene poder como para destruir nuestro planeta. Y El Guapo (Robbie Rodriguez), un tío sin poderes pero con una relación simbiótica con su patinete, el cual, sí que tiene súper poderes.

Y más. Fan Boy (Arnie Lundberg), un mutante con enormes poderes de manipulación molecular. Y Henrietta Hunter, una mujer que inexplicablemente regresó de entre los muertos con habilidades físicas avanzadas, empatía y la capacidad de comunicarse con fantasmas. Huérfano/Sr. Sensible (Guy Smith) es el líder del equipo y a pesar de su inexperiencia, todos sus sentidos parecen estar extremadamente desarrollados. Me recordó a los jefecillos jovenzuelos que suelen colocar algunas empresa, recién salidos de la Facultad, con cero experiencia laboral y que por tener un título superior, viene cobrando lo mismo o más que tú. Y eso que suelen estar empanados y que para colmo tienes que enseñarles como se hace casi todo el trabajo…

Pero bastantes más. Porque X-Statix es un cómic, sobre todo, de superhéroes, de cantidad de ellos, de muchos personajes para disfrutar de la variedad y la originalidad de los autores. La oportunidad, con este tomo que publica Panini Cómics, de llevarse un volumen de pijameo uro -y lo digo sinceramente- único en su estilo de compendio rolero de monstruos/superhéroes. La obra mutante completamente loca de Peter Milligan y Mike Allred. Porque los mutantes son los supervivientes de los cómics. Claro, hay trampas para ser un mutante: los robots asesinos quieren destruirte y, en ocasiones, te ves horrible o lastimas a los que amas por culpa de tus complejos. Sin embargo, al igual que las estrellas de los «reality shows», los mutantes tienen un poder que no se merecen en absoluto. Son chiripas fantásticas, dotadas de asombrosas capacidades más allá del conocimiento de los mortales solo porque eso es lo que su ADN decidió cambiar un día. Y es que siempre queda el poderoso que no quiere serlo porque siempre se anhela lo que no se tiene. Y esa máxima en X-Statix se explica bastante bien. Un desagradable grupo de mega-estrellas mutantes, cuya gloria superheróica se forma «in media res».

¿Veredicto final? Cómic de sobresaliente. El mejor pijameo moderno a recomendar. Probad sino este pastelito.

Reseña: Demonios Imaginarios, de Tim Seeley, Stephen Molnar y Quinton Winter

Desde el principio, voy a decir que Demonios Imaginarios (Imaginary Fiends) es el mejor título que he leido de lo nuevo salido en el sello Vertigo desde que DC lo reestructuró. La línea cayó en un limbo de títulos interesantes en recientes años, unos más buenos que otros, pero con una terrible diferencia de calidad. Y, por supuesto, nada que ver con aquella serie de obras que hicieron famosa a Vertigo mundialmente en los 90. Pero DC parece que poco a poco va encontrando y dando luz verde a cosita muy chulas donde destaca la obra que hoy os reseño. Donde Tim Seely y Stephen Molnar a su vez se elevan como una de las duplas a seguir desde ya. Capaces de crear una combinación correcta, un dueto interesante respecto a mi amado género de Terror. La primera página de bienvenida de un niño pequeño que sostiene a su hermana menor moribunda mientras ella se desangra y la huella de su mano ensangrentada en su rostro es escalofriante.

En Demonios Imaginarios, la premisa básica es que los amigos imaginarios que tienen algunos niños no son ni imaginarios. Ni amigos. Son seres de otra dimensión que pueden tener un efecto limitado en nuestro mundo cuando se vinculan con los niños. Y cuando los niños dejan de creer en ellos, la mayoría se desvanecen. Otros, sin embargo, deciden instalarse en nuestro mundo y alimentarse del miedo. Y en muchos casos, se convierten en el monstruo, ese hombre del saco local de un pueblo de mala muerte que encuentra el lugar ideal para vivir, que no es otra cosa que el cuerpo de un ser humano fácilmente aterrado por casi cada cosa que se mueve en la oscuridad. Y se quedan para provocar muertes espantosas. Se alimentan de ello.

Eso nos lleva hasta Melba Li, quien era la mejor amiga de la niña de la página de inicio que fue apuñalada hace años. Bien. Resulta que compartían una amiga imaginaria, una tal Polly, una amiga imaginaria muy celosa que exigía “pruebas” de que sus amigos la amaban. Y ahora Melba está en el reformatorio por el delito de apuñalar a su amiga. Pero un día recibe la visita de un agente del FBI que dice que tienen una vacante para alguien como Melba en su división especial para cazar a estos monstruos rebeldes. Y ya estamos dentro de un cómic maravilloso digno de serie de TV. Tim Seeley (Nightwing) y Stephen Molnar (Star Trek, Danger Girl) realmente han elaborado una nueva versión de una vieja idea.

La obra de arte de Molnar es poderosa y su fuerza procede de ser capaz de crear transformaciones aterradoras de las diferentes formas en las que es capaz de convertirse estos amigos imaginarios no deseados. Un ilustrador que establece detalles espeluznantes. Demonios Imaginarios me recuerda a los primeros números de Harrow County, y para colmo tiene ese toque que Junji Ito es capaz de aportar a sus obras de Terror con entes terribles que no se nos van de la cabeza.

Muy recomendable para ti que amas como yo pasarlo mal, leyendo. Demonios Imaginarios recopila los seis números de esta inolvidable miniserie. Genial rescate de edición por parte de ECC Ediciones. Necesitamos más de estas cositas.

Reseña: On Mars (Integral), de Sylvain Runberg y Grun

Es inocente el amante de la ciencia ficción que con tan solo ver una buena portada, no atribuye ya un porcentaje alto de calidad a una obra. Y puede sonar pretencioso, pero algunos de vosotros sabréis que esto es muy cierto. Las portadas, en especial, de este género, no son otra cosa que un cebo para nosotros. Y On Mars vale lo que vale y demuestra lo que vale a pocas páginas de ponerte a leer. Eso sin contar que los que somos amantes de historietas de acción en Marte desde que nos impactara en nuestra infancia el film inolvidable Desafío Total; los que no mucho después corrimos a leer más obras de Philip K. Dick; seguro-seguro-seguro vais a disfrutar de la agente de policía Jasmine Stenford.

Estoy escribiendo esta reseña teniendo recién leído los tres volúmenes que comprende esta serie publicada por Yermo Ediciones en un portentoso integral y en tapa dura como nos tiene acostumbrados. Lo que la he disfrutado, dios. Los temas son ciertamente clásicos: colonización de Marte, diferentes facciones en luchas despiadadas, sucios y corruptos políticos, fanáticos religiosos…, los personajes «duros» son un poco cliché y, en general, la historia se centra principalmente en la acción – cosa que agradezco ya que tengo mucha “marcianada” leída-, pero ahora que carburo un poco, que tomo un par de sorbos más de té chai y miró a mi alrededor, creo que la virtud de esta obra es que me haya tragado los tres volúmenes de un tirón.

Sylvain Runberg domina su guión, y lo concluye de manera formidable. No da traspiés al cerrarlo, algo que sinceramente suele pasar mucho con esta temática futurista. De hecho, ahora que pienso otra vez en él, me gustó mucho el final… pero no diré más para no crear expectativas muy altas. Pero sí que haré mención al dibujo de Grun (también conocido como Ludovic Dubois) que está absolutamente magnífico. El trabajo con los personajes y sus atuendos es realmente impresionante y detallado. Y las vistas marcianas también son muy hermosas, y resaltadas por colores rojizos del efecto más hermoso que uno pueda imaginar en dicho planeta. Y los vehículos o drones están muy bien representados. Los tres álbumes terminan con soberbios cuadernos de bocetos y estos últimos también enriquecen el trasfondo de la historia de un universo carcelario de proporciones finalmente reducidas.

Y básicamente tenemos rivalidades, sobre todo, entre presos, luego entre bandas, e integramos una banda que es un poco más potente que los demás. Es más, la idea de enviar presos de derecho consuetudinario a cumplir su condena en la colonia para construir y prepararse para la llegada de colonos libres, es bastante buena. Al fin y al cabo, así se construyeron en gran medida las colonias de Australia o Nueva Caledonia. Me encantó como se consigue la credibilidad de esta colonización forzada, lo que me lleva a pensar que con un par de viñetas se determina muy bien que es necesario motivar a los condenados a construir su propio futuro o el de sus hijos en lugar de aplastarlos psicológicamente.

Yo que le doy mil vueltas a la historias y esto provoca que a veces no las disfrute, me pregunté varias veces cuál era el sentido de situar esta historia en Marte. Y no encontré ninguno. Creo que funcionaría en cualquier colonia espacial que se pudiera conseguir. Pero quizás Marte siempre está de moda, estamos cerquita ya de llegar como colonos y bueno, molar, mola.

Una historia clásica pero efectiva. Una historia moderna fácilmente situable dentro de la ciencia ficción clásica. La mejor.

Reseña: Wolfwalkers. La Novela Gráfica, de Sam Sattin, Tomm Moore y Ross Stewart

Hablamos de una historia traslada de una peli pero aun así muy chula de tener en formato cómic. Una idea que especialmente disfrutarán aquellos padres lectores que quieren no solo disfrutar en primera persona de una buena historia con buenas ilustraciones, sino también para que sus más allegados lo hagan. Y Wolfwalkers puede no tener el reconocimiento de una film/guion de Pixar o Ghibli, pero no se equivoquen, hay muy buenos jugadores de fútbol fuera de los grandes equipos multimillonarios (si me permiten la comparación), pero otra cosa es que se ponga el foco de atención en ellos en la misma escala de valores que los famosetes de siempre. Wolfwalkers es lo último creado por de Tomm Moore aunque comparte créditos aquí con Ross Stewart, quien trabajó en las películas anteriores de Moore, The Secret of Kells y Song of the Sea. Y es exquisito lo que hacen pues, empapada en la magia de la tierra y la tradición antigua, tenemos el tipo de historia que con un-poco-mucho de fantástico nos engancha a los frikis que te cagas.

Wolfwalkers es una película animada de aventuras y fantasía de 2020. La peli comprendería la tercera y última entrega de la «Trilogía del Folclore Irlandés» de Moore, después de las dos antes mencionadas. Wolfwalkers fue una coproducción internacional dirigida por Cartoon Saloon y Mélusine Productions y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2020 y posteriormente en cines en Reino Unido e Irlanda. Digitalmente en Apple TV+ el 11 de diciembre de 2020, con gran éxito de crítica. Sigue la historia de Robyn Goodfellowe, una joven aprendiz de cazadora que llega a Irlanda con su padre en una época de superstición y magia para acabar con la última manada de lobos que acosa los pueblos del valle. Pero mientras explora las tierras prohibidas fuera de las murallas de la ciudad, Robyn se hace amiga de una chica de espíritu libre, Mebh, miembro de una tribu misteriosa de la que se rumorea que tiene la capacidad de convertirse en lobo. Y ahí empiezan los problemas. Mientras buscan a la madre desaparecida de Mebh, Robyn descubre un secreto que la lleva aún más cerca del mundo encantado de los Wolfwalkers y corre el riesgo de convertirse en lo mismo que su padre tiene la tarea de destruir. Su padre y ella misma porque el conflicto se acaba de poner encima de la mesa.

Al igual que las historias-películas anteriores de Moore, las cuales os recomiendo muy mucho para disfrutar de este cómic a tope, estamos ante una trama desafiantemente pagana. Historias que tienen mucho enganche para el amante del fantástico cualesquiera que sea su edad. Tiene sus raíces en una época en la que los espíritus de los animales y los humanos eran como zarcillos entrelazados. Hay tensiones entre el pueblo y el bosque y sabemos que ese miedo-respeto alguna vez lo tuvimos. Aún en 2023 existen lugares del planeta donde sigue ocurriendo. Por otro lado, gracias a Mebh, la nueva amiga salvaje de la protagonista, vamos a saber lo que es “estar del otro lado”. Moore y Stewart aportan un vigoroso toque contemporáneo a la animación que tiene sus raíces en el arte popular irlandés y en tradiciones tan antiguas como el tiempo. Y eso, a quién no le va a gustaaaaarrr…

Adaptada por Sam Sattin y publicada por Kodomo, de ECC Ediciones, ya disponible esta joyita.

Reseña: El Asombroso Cabeza de Tornillo y Otros Objetos Extraños. Edición Especial 20º Aniversario

En cuanto a cómics, siempre diré que aparte de la gran época de publicación de integrales que estamos viviendo, también hay que alabar y agradecer que las editoriales están haciendo un gran esfuerzo por volver a traer ediciones agotadas dificiles de encontrar así como ediciones especiales indispensables. Joyitas que son carne de especulación en servicios de venta de segunda mano, muchos de esos articulos dignos de denuncia… Si existiera esa posibilidad.

Pero yéndonos a lo bueno, este mes de diciembre pasado Norma Editorial sacó a flote de nuevo un volumen, obviamente imperdible para los que seguimos, amamos y deseamos tener todo-todito-todo lo que brota o brotó de los maestros Mike Mignola y Dave Stewart. Publicando y aprovechando para la ocasión además, la edición en tapa dura súper chula de la edición conmemorativa del Especial del 20º Aniversario de El Asombroso Cabeza de Tornillo y otros obejtos extraños que cumplía años el pasado 2022. Una deliciosa colección de cuentos ilustrados por el artista/creador de Hellboy y de tantas otras historias, un universo que ya incluso ha adoptado su propio nombre. Porque en el Mignolaverso el tema anda fuerte en criaturas, rituales de todo tipo, pueblos fantasmales, cruce de caminos atacados por seres sobrenaturales excéntricos, magia, relatos y ahora… cabezas de tornillo que albergan vida de forma misteriosa.

La sinopsis principal podría centrarse en decir que el Emperador Zombie está tratando de dominar el mundo una vez más y el Asombroso Cabeza de Tornillo ha sido reclutado por el presidente Lincoln para detener a dicho mal bicho. Con la ayuda de su fiel compañero, el Sr. Groin, y su fiel compañero canino, el Sr. Dog, Cabeza de Tornillo tendrá que enfrentarse a seres ocultos en tumbas antiguas y derrotar a los demonios de otras dimensiones que la habitan. Pero ese solo sería uno de los cuentos extraños que habitan esta colección. A eso añadir las diecinueve páginas de la historia nunca antes completada y nunca publicada de Axorr, Slayer of Demons, escrita y dibujada por el legendario creador de Hellboy. Y más. Porque como muy bien se indica en el tomo vamos a disfrutar y flipar con cada uno de los cuentos que siguen esta trama donde encontraremos máquinas voladoras victorianas, una cabeza mecánica, saqueos en catacumbas, fantasmas airados, estatuillas malditas e incluso alienígenas y plantas de judías gigantes y mágicas. Un volumen que incluye la dos historias Premios Eisner de Mignola, las joyitas El Asombroso Cabeza de Tornillo y La serpiente y el mago.

Esta edición especial además incluye cuarenta páginas adicionales de material nuevo de Mike Mignola con los inestimables colores del gran Dave Stewart. Revisé la edición anterior de hace casi una década (2013) y encontré grandes diferencias visuales. Y aunque la historia principal es la misma versión que se lanzó en 2010 en USA, se siente un modo de retocado “más amable” y agradecido a los ojos en esta nueva edición de tamaño de impresión más grande y con bocetos molones dignos de enmarcar. Un volumen imperdible y no sólo para fans de Mignola.

Para cualquier amante del fantástico.

Le oí decir a Mignola una vez: “Estoy tan orgulloso de las cosas de Hellboy, como de las historias que componen la colección de Cabeza de Tornillo. Sin duda, una de mis cosas favoritas de las que he hecho”.

Eso bastaría, ¿no?