Reseña: El Asesino (Integral 1) , de Matz y Luc Jacamon

En cómic europeo, los que somos fans de toda la vida y hemos podido devorar títulos bien sea por poder acceder a estos chulos álbumes por “herencia” porque seamos sinceros, no es el tipo de vicio más barato dentro del noveno arte… Los que leemos desde siempre, estamos súper encantados con esta maravillosa época de las integrales. Se entiende que ya tenemos una edad, que nuestro tiempo es limitado pero que conseguimos encontrar huequecillos y el dinero no tiene porque ser un problema. Es por eso que los integrales nos hacen más bien que mal. Poder leer obras que ansiamos leer y tener, y la disposición de tener en un sólo volumen varios álbumes, gusta. Nos pone. Y gracias a las editoriales que tenemos en nuestro país pues van llegando cositas que molan cantidad. Este pensamiento ha vuelto a mí mientras devoraba el primer volumen integral de El Asesino que recién publica Norma Editorial. Cómic que a poco que busquéis referencias lo vais a ver valorado de notable como mínimo. Y no me extraña porque es rápido, directo y endiabladamente efectivo. Devoré los álbumes uno tras otro. Esta es la típica serie que no esperas y que terminas adorando a las pocas páginas. Diciéndote, por cosas así, merece leer buen cómic europeo.

En El Asesino tuve la impresión de encontrar a un pariente de León, el famoso asesino a sueldo de Luc Besson. Porque para este señor al que se le puede llamar simplemente Asesino, su trabajo es como cualquier otro, incluso si la hemoglobina está presente a menudo. Está solo y sin amigos, como muchos seres humanos acaban sus últimos días. Es sólo el dinero lo que le interesa porque tampoco es tan viejo como para no necesitarlo. Nuestro héroe (porque para mí lo es después de la lectura) es un tío frío pero entrañable al final. No hasta el punto de encontrarlo simpático pero esa, my friends, es la ambivalencia de esta serie. Y todo se va al traste porque aunque siempre cumplió contratos sin dejar huella, un nuevo encargo le compromete y le obligará a salir a la luz.

El primer álbum es, con diferencia, el mejor escrito y el mejor de la serie. Es como esas pocas series de TV que les sale un primer capítulo redondo, vendible al productor más crítico y más odioso, pero en este caso, todo lo que sigue no anda muy lejos del nivel. En particular, la atmósfera que se genera con este personaje esperando y pensando en su apartamento, nos permite conocer su visión del mundo. Y es que uno/a casi podría pensar que el primer volumen es suficiente en sí mismo, todo está ahí, los demás álbumes (aunque no todos porque este sólo es el primer integral) agregan ideas y profundización del personaje. Y eso completa bastante. Matz logra así sacar de la banalidad lo ordinario de sus relatos. El cinismo, las reflexiones de este asesino amoral, desilusionado y anónimo (que sería casi un hombre corriente, si no fuera por su «sucio» trabajo) hacen que se incline hacia ciertos personajes del thriller de Manchette. También hay que decir que el dibujo de Jacamon tiene mucho que ver con la fluidez de la lectura, en un estilo semirrealista eficaz, dinámico y de trazo agradable a los ojos.

Hay que decir que el tono adoptado (falsamente despreocupado, casual), la narración (la mayoría de las veces los textos en off están formados por estados de ánimo, reflexiones de nuestro héroe-asesino, siendo estos comentarios mucho más numerosos que los diálogos), mas, todo contribuye a desarrollar una atmósfera asombrosamente tranquila, equilibrada y “clara”, aunque el tema se presta más a la oscuridad y al ritmo entrecortado.

El Asesino es otra gran serie que no había leído y de la que quiero más. Me encanta como los autores ofrecen el retrato de un asesino solitario, cínico, frío, metódico y sin escrúpulos que da escalofríos porque el relato de sus hazañas mortuorias se vuelve fascinante a medida que pasan las páginas. Y con secuelas de guion más orientado hacia una geopolítica invasiva, entre ricos, cubanos, venezolanos y toda una operación de manipulación. Esta serie es una joya. Sin tiempo muerto. Hay ritmo. Hay tantos giros y vueltas que no puedes dejar de leer. Los flashbacks son numerosos pero esto no rompe el ritmo de lectura. Solo un breve descanso para recuperar el aliento…

Estoy seguro de que sois todos iguales. Cuando estáis en una librería o librería especializada buscando carnaza, estáis buscando un álbum que guíe vuestros sentidos y buscáis la perla de vuestra vida en formato viñeta. Ese tomo que después de gastar los billets quedes contento. Pero hay algo mejor que rebuscar o curiosear desde cero. Tenéis los consejos de un profesional o amigo compartidor de gustos que en mi caso es mi tito americano del que ya os he hablado. El mismo que me dijo: Sí ha salido en castellano, ve a pillarlo sí o sí. Un brillante thriller del que Netflix prepara una adaptación cinematográfica para ya.

Reseña: Marvel Must-Have. Masacre. El Bueno, El Feo y el Malo, de VVAA

Nunca he sido muy fan de Deadpool. Y no porque no me guste sino porque ha sido uno de esos “elegidos” que fue caminando por la otra acera, la acera de mis personajes o cómics no leidos de la infancia porque simplemente no se terció ponerme con él. Con los años, he podido leer cositas y me he ido enganchando, pero como es un personaje muy alterno y con poca continuidad además de que en nuestro país en los 80 o 90 apenas llegaban cómics suyos; pues no surgió. No obstante, ahora, que casi todo se publica, a poco que esté a mano, intento devorar cositas de este original superhéroe porque las risas están aseguradas. Y leyendo, y leyendo, me he dado cuenta que una de los temas más importantes de su obra es el equilibrio. No es suficiente que Deadpool sea divertido. Tiene que haber un cierto nivel de patetismo en su núcleo. Tiene que ser serio a veces para realmente gustar. Porque no sé ustedes pero yo tener un amigo que se lleva todo el punto día haciendo bromas, pues como que no. Y Mark Waid debe haber caído en la cuenta de esto también. Y Joe Kelly. Y otros como Fabian Nicieza, Frank Tieri, Rick Remender y Gail Simone sabían que no todo debían ser bromas. Pero en un porcentaje alto, sí. Y ese es uno de mis principales problemas con la larga carrera de Daniel Way sobre el personaje. En el último volumen, se negó a tomarse a Masacre en serio. Por suerte, hoy os reseño un Must-Have que no cae en esa trampa.

Brian Posehn y Gerry Duggan tuvieron un comienzo difícil al iniciar el nuevo volumen de Deadpool para Marvel Now! Su primer arco narrativo, ese en el que Deadpool luchó contra versiones zombies malvadas de presidentes muertos, tenía seis números cuando realmente debería haber tenido cuatro. Afortunadamente, se les dio una oportunidad más y esta “segunda” historia llamado El bueno, el malo y el feo, es un título no sólo inteligentemente bien hecho sino ideal para recomendar como primera lectura. Una chulada de cómic que publica Panini Cómics y que además te llevas a casa por nada y menos con una aventurita muy entretenida y con la idea de un 3×1 súper guapo en superhéroe; Masacre más el Capi más el siempre hosco hermano mayor Lobezno.

El Deadpool #13 y #14, con Scott Koblish a los dibujos, actuaría como preludio de este arco argumental que comprendería hasta el #19. Se pone en marcha con los recurridos  y siempre efectivos y recurridos flashbacks. Deadpool/Masacre se presentó por primera vez en 1990, pero ¿y si realmente existiera en el canon del Universo Marvel antes de eso sin que lo hubiéramos sabido? En el inicio nos topamos con lo que Deadpool hacia a finales de los 70 era, cuando formaba equipo con un Luke Cage reacio y de blusa amarilla y un Puño de Hierro en su perenne línea. En esa historia se enfrentan a un proxeneta albino llamado el Hombre Blanco. Pero en el número que sigue, vemos al Hombre Blanco regresar en el presente y esa amenaza se mantiene. Pero resulta que esta misión tienen mayores ramificaciones en la historia de Deadpool. Y eso que hay una trama secundaria que ha estado ocurriendo sobre personas misteriosas que tranquilizan a Deadpool al azar, extraen sus órganos y luego se van. Finalmente, algo tendrá que hacer algo al respecto y en su investigación descubre que un hombre llamado Butler ha estado detrás de estas acciones durante años… Gente que experimenta con él…, con Masacre, en todos los sentidos.

Como un ejercicio de meta-lectura, al igual que yo como seguidor del superhéroe, el personaje de Deadpool tuvo muchos problemas de continuidad en sus propias historias. La mayoría de los guionistas que han tenido la oportunidad de hacer algo con él, han ignorado todo lo anterior, casi todo su alrededor y escribieron una historia para el personaje que les pareción bien. Y entonces entre los lectores surgen dudas como: ¿Deadpool es canadiense o de Ohio y se mueve más que los precios? ¿Lo abandonó su padre o fue un militar borracho que murió quemado? ¿Su madre murió de cáncer cuando él era pequeño o abusaron físicamente de él en su adolescencia? ¿Es Deadpool realmente «Wade Wilson» o es una identidad que le robó al hombre que luego se convirtió en T-Ray? Si bien no tengo respuestas para nada, solo decir que lo mejor es, si ves una aventura que te atrae de Masacre, que abre y cierra en el mismo tomo, y que apenas habla sobre “su historia”, os aseguro que es recomendable como mínimo.

El bueno, el feo y el malo es un ejemplo de ello.

Reseña: Battle Action, de Garth Ennis y VVAA

Battle Action es el cómic bélico rescatado que hará llorar de alegría a cualquiera que haya disfrutado de los viejos cómics del mismo nombre. Y si no llorar, que a veces puedo ser exagerado, sí que noté el vello de punta recordando lo bien que lo pasaba de pequeño con estas historietas.

Uno de esos niños debió ser el ya maestro del guion Garth Ennis, del cual ya conocemos su amor por los cómics descarados pero también las historias clásicas de guerra. Es decir, el serranito o sandwich-mixto vegetal para que se me entienda, un cúmulo de ideas rescatadas para conseguir que todo se haga bien en este volumen que publica Dolmen Editorial, y que justifica por un lado la compra de algo que sin duda van a disfrutar los amantes de lo bélico, y por otro, los fieles seguidores de Ennis. El genio que siempre goza de un alto nivel en todo lo que escribe o reescribe. Posiblemente el mejor escritor en activo, el top-one de muchísimos fans del noveno arte.

Porque sabemos que Ennis, siendo un gran admirador de los semanarios británicos de los viejos tiempos, tomó siete historias de cuando la frase de engancha en portada era ¡Grandes aventuras en el interior! Y con ellos escribió un nuevo capítulo de cada uno, con la ayuda y la complicidad de algunos de los mejores ilustradores que se asientan en el Reino Unido. Y sólo ojear el tomo por primera vez me puso la piel de gallina. A veces, los friki-cómics somos asi de monguers, sí, llevamos dentro lo que los grandes espíritus de Kirby, Lee, Eisner, Miller, Mignola o Ross inspiran. Como un anuario de guerra de noventa y seis páginas, los planetas se han alineado para que Dolmen Editorial publique esta chulada. ¿Y qué contiene? La primera historia es para mí la más poderosa de todas. Johnny Red contra Skreamer de los Stukas es donde el as de la aviación se enfrenta al temido coronel por la soberanía del cielo en el frente ruso. Épica a tope. Visto está que Ennis no era ajeno a este personaje y tenía algo que decir sobre él junto al dibujante Keith Burns. Una magnífica historia con batallas tácticas inteligentes protagonizadas por viejos aviones de por medio. Un buen comienzo. El arte en color se convierte en blanco y negro a continuación, ya que la versión de Ennis de El Sargento, de Gerry Finley-Day, es una lección de historia más sencilla que cualquier otra cosa. Pero funciona bien y con una trama fácil (una escuadra dirigida por el sargento Jim Masters intenta cruzar Italia sin morir en el intento); los miembros principales de la sección están esbozados magistralmente.

El tema bélico a tope continúa con Crazy Keller, pero esta vez es un asunto más ligero, lidiando con un capitán yanqui cuyo objetivo principal es sobrevivir a la Segunda Guerra Mundial con más dinero del que ingresó. Curiosa trama que no conocía o de la que no recuerdo nada. Crepitante guión de Ennis bien ilustrado por Chris Burnham.

Pero no solo se trata la guerra aquí. Dregger fue una tira cómica de los años 70 que tomaba prestado generosamente lo que era popular en ese momento: dramas policiales británicos duros como The Sweeney. Dredger, que fue expulsado de los marines por brutalidad (creo que estamos de acuerdo en que es un logro, sobre todo, los que hemos sido militares profesionales), un tipo que soluciona problemas para el Gobierno y eso es realmente todo lo que necesitas saber… Las demás historias os dejo que las descubráis vosotros mismos.

A diferencia de otros cómics bélicos del irlandés, en Battle Action vais a encontrar al Ennis bueno, por la caradura con la que se le conoce. Este es Ennis sin correa y se le permite cagar en jardines de bellas flores con una violencia exagerada al estilo de lo que hizo con The Punisher. Y por ahí van los tiros, nunca mejor dicho. Una carta de amor de Ennis a un género, a una época, a un tipo de cómic que lo atrapó. Que nos atrapó.

Reseña: Demonios Imaginarios, de Tim Seeley, Stephen Molnar y Quinton Winter

Desde el principio, voy a decir que Demonios Imaginarios (Imaginary Fiends) es el mejor título que he leido de lo nuevo salido en el sello Vertigo desde que DC lo reestructuró. La línea cayó en un limbo de títulos interesantes en recientes años, unos más buenos que otros, pero con una terrible diferencia de calidad. Y, por supuesto, nada que ver con aquella serie de obras que hicieron famosa a Vertigo mundialmente en los 90. Pero DC parece que poco a poco va encontrando y dando luz verde a cosita muy chulas donde destaca la obra que hoy os reseño. Donde Tim Seely y Stephen Molnar a su vez se elevan como una de las duplas a seguir desde ya. Capaces de crear una combinación correcta, un dueto interesante respecto a mi amado género de Terror. La primera página de bienvenida de un niño pequeño que sostiene a su hermana menor moribunda mientras ella se desangra y la huella de su mano ensangrentada en su rostro es escalofriante.

En Demonios Imaginarios, la premisa básica es que los amigos imaginarios que tienen algunos niños no son ni imaginarios. Ni amigos. Son seres de otra dimensión que pueden tener un efecto limitado en nuestro mundo cuando se vinculan con los niños. Y cuando los niños dejan de creer en ellos, la mayoría se desvanecen. Otros, sin embargo, deciden instalarse en nuestro mundo y alimentarse del miedo. Y en muchos casos, se convierten en el monstruo, ese hombre del saco local de un pueblo de mala muerte que encuentra el lugar ideal para vivir, que no es otra cosa que el cuerpo de un ser humano fácilmente aterrado por casi cada cosa que se mueve en la oscuridad. Y se quedan para provocar muertes espantosas. Se alimentan de ello.

Eso nos lleva hasta Melba Li, quien era la mejor amiga de la niña de la página de inicio que fue apuñalada hace años. Bien. Resulta que compartían una amiga imaginaria, una tal Polly, una amiga imaginaria muy celosa que exigía “pruebas” de que sus amigos la amaban. Y ahora Melba está en el reformatorio por el delito de apuñalar a su amiga. Pero un día recibe la visita de un agente del FBI que dice que tienen una vacante para alguien como Melba en su división especial para cazar a estos monstruos rebeldes. Y ya estamos dentro de un cómic maravilloso digno de serie de TV. Tim Seeley (Nightwing) y Stephen Molnar (Star Trek, Danger Girl) realmente han elaborado una nueva versión de una vieja idea.

La obra de arte de Molnar es poderosa y su fuerza procede de ser capaz de crear transformaciones aterradoras de las diferentes formas en las que es capaz de convertirse estos amigos imaginarios no deseados. Un ilustrador que establece detalles espeluznantes. Demonios Imaginarios me recuerda a los primeros números de Harrow County, y para colmo tiene ese toque que Junji Ito es capaz de aportar a sus obras de Terror con entes terribles que no se nos van de la cabeza.

Muy recomendable para ti que amas como yo pasarlo mal, leyendo. Demonios Imaginarios recopila los seis números de esta inolvidable miniserie. Genial rescate de edición por parte de ECC Ediciones. Necesitamos más de estas cositas.

Reseña: On Mars (Integral), de Sylvain Runberg y Grun

Es inocente el amante de la ciencia ficción que con tan solo ver una buena portada, no atribuye ya un porcentaje alto de calidad a una obra. Y puede sonar pretencioso, pero algunos de vosotros sabréis que esto es muy cierto. Las portadas, en especial, de este género, no son otra cosa que un cebo para nosotros. Y On Mars vale lo que vale y demuestra lo que vale a pocas páginas de ponerte a leer. Eso sin contar que los que somos amantes de historietas de acción en Marte desde que nos impactara en nuestra infancia el film inolvidable Desafío Total; los que no mucho después corrimos a leer más obras de Philip K. Dick; seguro-seguro-seguro vais a disfrutar de la agente de policía Jasmine Stenford.

Estoy escribiendo esta reseña teniendo recién leído los tres volúmenes que comprende esta serie publicada por Yermo Ediciones en un portentoso integral y en tapa dura como nos tiene acostumbrados. Lo que la he disfrutado, dios. Los temas son ciertamente clásicos: colonización de Marte, diferentes facciones en luchas despiadadas, sucios y corruptos políticos, fanáticos religiosos…, los personajes «duros» son un poco cliché y, en general, la historia se centra principalmente en la acción – cosa que agradezco ya que tengo mucha “marcianada” leída-, pero ahora que carburo un poco, que tomo un par de sorbos más de té chai y miró a mi alrededor, creo que la virtud de esta obra es que me haya tragado los tres volúmenes de un tirón.

Sylvain Runberg domina su guión, y lo concluye de manera formidable. No da traspiés al cerrarlo, algo que sinceramente suele pasar mucho con esta temática futurista. De hecho, ahora que pienso otra vez en él, me gustó mucho el final… pero no diré más para no crear expectativas muy altas. Pero sí que haré mención al dibujo de Grun (también conocido como Ludovic Dubois) que está absolutamente magnífico. El trabajo con los personajes y sus atuendos es realmente impresionante y detallado. Y las vistas marcianas también son muy hermosas, y resaltadas por colores rojizos del efecto más hermoso que uno pueda imaginar en dicho planeta. Y los vehículos o drones están muy bien representados. Los tres álbumes terminan con soberbios cuadernos de bocetos y estos últimos también enriquecen el trasfondo de la historia de un universo carcelario de proporciones finalmente reducidas.

Y básicamente tenemos rivalidades, sobre todo, entre presos, luego entre bandas, e integramos una banda que es un poco más potente que los demás. Es más, la idea de enviar presos de derecho consuetudinario a cumplir su condena en la colonia para construir y prepararse para la llegada de colonos libres, es bastante buena. Al fin y al cabo, así se construyeron en gran medida las colonias de Australia o Nueva Caledonia. Me encantó como se consigue la credibilidad de esta colonización forzada, lo que me lleva a pensar que con un par de viñetas se determina muy bien que es necesario motivar a los condenados a construir su propio futuro o el de sus hijos en lugar de aplastarlos psicológicamente.

Yo que le doy mil vueltas a la historias y esto provoca que a veces no las disfrute, me pregunté varias veces cuál era el sentido de situar esta historia en Marte. Y no encontré ninguno. Creo que funcionaría en cualquier colonia espacial que se pudiera conseguir. Pero quizás Marte siempre está de moda, estamos cerquita ya de llegar como colonos y bueno, molar, mola.

Una historia clásica pero efectiva. Una historia moderna fácilmente situable dentro de la ciencia ficción clásica. La mejor.

Reseña: Wolfwalkers. La Novela Gráfica, de Sam Sattin, Tomm Moore y Ross Stewart

Hablamos de una historia traslada de una peli pero aun así muy chula de tener en formato cómic. Una idea que especialmente disfrutarán aquellos padres lectores que quieren no solo disfrutar en primera persona de una buena historia con buenas ilustraciones, sino también para que sus más allegados lo hagan. Y Wolfwalkers puede no tener el reconocimiento de una film/guion de Pixar o Ghibli, pero no se equivoquen, hay muy buenos jugadores de fútbol fuera de los grandes equipos multimillonarios (si me permiten la comparación), pero otra cosa es que se ponga el foco de atención en ellos en la misma escala de valores que los famosetes de siempre. Wolfwalkers es lo último creado por de Tomm Moore aunque comparte créditos aquí con Ross Stewart, quien trabajó en las películas anteriores de Moore, The Secret of Kells y Song of the Sea. Y es exquisito lo que hacen pues, empapada en la magia de la tierra y la tradición antigua, tenemos el tipo de historia que con un-poco-mucho de fantástico nos engancha a los frikis que te cagas.

Wolfwalkers es una película animada de aventuras y fantasía de 2020. La peli comprendería la tercera y última entrega de la «Trilogía del Folclore Irlandés» de Moore, después de las dos antes mencionadas. Wolfwalkers fue una coproducción internacional dirigida por Cartoon Saloon y Mélusine Productions y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2020 y posteriormente en cines en Reino Unido e Irlanda. Digitalmente en Apple TV+ el 11 de diciembre de 2020, con gran éxito de crítica. Sigue la historia de Robyn Goodfellowe, una joven aprendiz de cazadora que llega a Irlanda con su padre en una época de superstición y magia para acabar con la última manada de lobos que acosa los pueblos del valle. Pero mientras explora las tierras prohibidas fuera de las murallas de la ciudad, Robyn se hace amiga de una chica de espíritu libre, Mebh, miembro de una tribu misteriosa de la que se rumorea que tiene la capacidad de convertirse en lobo. Y ahí empiezan los problemas. Mientras buscan a la madre desaparecida de Mebh, Robyn descubre un secreto que la lleva aún más cerca del mundo encantado de los Wolfwalkers y corre el riesgo de convertirse en lo mismo que su padre tiene la tarea de destruir. Su padre y ella misma porque el conflicto se acaba de poner encima de la mesa.

Al igual que las historias-películas anteriores de Moore, las cuales os recomiendo muy mucho para disfrutar de este cómic a tope, estamos ante una trama desafiantemente pagana. Historias que tienen mucho enganche para el amante del fantástico cualesquiera que sea su edad. Tiene sus raíces en una época en la que los espíritus de los animales y los humanos eran como zarcillos entrelazados. Hay tensiones entre el pueblo y el bosque y sabemos que ese miedo-respeto alguna vez lo tuvimos. Aún en 2023 existen lugares del planeta donde sigue ocurriendo. Por otro lado, gracias a Mebh, la nueva amiga salvaje de la protagonista, vamos a saber lo que es “estar del otro lado”. Moore y Stewart aportan un vigoroso toque contemporáneo a la animación que tiene sus raíces en el arte popular irlandés y en tradiciones tan antiguas como el tiempo. Y eso, a quién no le va a gustaaaaarrr…

Adaptada por Sam Sattin y publicada por Kodomo, de ECC Ediciones, ya disponible esta joyita.

Reseña: El Asombroso Cabeza de Tornillo y Otros Objetos Extraños. Edición Especial 20º Aniversario

En cuanto a cómics, siempre diré que aparte de la gran época de publicación de integrales que estamos viviendo, también hay que alabar y agradecer que las editoriales están haciendo un gran esfuerzo por volver a traer ediciones agotadas dificiles de encontrar así como ediciones especiales indispensables. Joyitas que son carne de especulación en servicios de venta de segunda mano, muchos de esos articulos dignos de denuncia… Si existiera esa posibilidad.

Pero yéndonos a lo bueno, este mes de diciembre pasado Norma Editorial sacó a flote de nuevo un volumen, obviamente imperdible para los que seguimos, amamos y deseamos tener todo-todito-todo lo que brota o brotó de los maestros Mike Mignola y Dave Stewart. Publicando y aprovechando para la ocasión además, la edición en tapa dura súper chula de la edición conmemorativa del Especial del 20º Aniversario de El Asombroso Cabeza de Tornillo y otros obejtos extraños que cumplía años el pasado 2022. Una deliciosa colección de cuentos ilustrados por el artista/creador de Hellboy y de tantas otras historias, un universo que ya incluso ha adoptado su propio nombre. Porque en el Mignolaverso el tema anda fuerte en criaturas, rituales de todo tipo, pueblos fantasmales, cruce de caminos atacados por seres sobrenaturales excéntricos, magia, relatos y ahora… cabezas de tornillo que albergan vida de forma misteriosa.

La sinopsis principal podría centrarse en decir que el Emperador Zombie está tratando de dominar el mundo una vez más y el Asombroso Cabeza de Tornillo ha sido reclutado por el presidente Lincoln para detener a dicho mal bicho. Con la ayuda de su fiel compañero, el Sr. Groin, y su fiel compañero canino, el Sr. Dog, Cabeza de Tornillo tendrá que enfrentarse a seres ocultos en tumbas antiguas y derrotar a los demonios de otras dimensiones que la habitan. Pero ese solo sería uno de los cuentos extraños que habitan esta colección. A eso añadir las diecinueve páginas de la historia nunca antes completada y nunca publicada de Axorr, Slayer of Demons, escrita y dibujada por el legendario creador de Hellboy. Y más. Porque como muy bien se indica en el tomo vamos a disfrutar y flipar con cada uno de los cuentos que siguen esta trama donde encontraremos máquinas voladoras victorianas, una cabeza mecánica, saqueos en catacumbas, fantasmas airados, estatuillas malditas e incluso alienígenas y plantas de judías gigantes y mágicas. Un volumen que incluye la dos historias Premios Eisner de Mignola, las joyitas El Asombroso Cabeza de Tornillo y La serpiente y el mago.

Esta edición especial además incluye cuarenta páginas adicionales de material nuevo de Mike Mignola con los inestimables colores del gran Dave Stewart. Revisé la edición anterior de hace casi una década (2013) y encontré grandes diferencias visuales. Y aunque la historia principal es la misma versión que se lanzó en 2010 en USA, se siente un modo de retocado “más amable” y agradecido a los ojos en esta nueva edición de tamaño de impresión más grande y con bocetos molones dignos de enmarcar. Un volumen imperdible y no sólo para fans de Mignola.

Para cualquier amante del fantástico.

Le oí decir a Mignola una vez: “Estoy tan orgulloso de las cosas de Hellboy, como de las historias que componen la colección de Cabeza de Tornillo. Sin duda, una de mis cosas favoritas de las que he hecho”.

Eso bastaría, ¿no?

Reseña: Batman. Reptil, de Garth Ennis y Liam Sharp

A quien no le gusta o le entra un repeluquillo por el cuerpo al ver que puede leer una nueva miniserie de Batman con un toque diferente. Este que os escribe, por lo menos, es de esos que ve algo diferente o con titulo atractivo, que encima se encabeza con el nombre del Caballero Oscuro…, y sabe ya que tiene asegurado un buen rato de lectura en el sofá. Y a veces no hace falta ser demasiado original con una historia, un nuevo enemigo a batir o una nueva visión del personaje. La cuestión es, que con un mínimo de nivel en el dibujo y en el objetivo del guion, ellos los autores deberían saber (y saben) que a muchos ya nos tienen en el bote. Como decía esa señora que se hizo viral: ¡A quién no le va a gustaaaaarr…!

Eso ocurre con Batman: Reptil. Este nuevo tomito que sacó hace nada ECC Ediciones y que recopila la miniserie Batman: Reptilian de seis numeritos y que con apenas tres frases se resume bastante bien su sinopsis: «¿Qué es este monstruo reptiliano que acecha en las sombras de Gotham? Para responder a esta pregunta, Batman da caza a esta terrible criatura… Y cuando su investigación le lleva hasta Killer Croc, el mejor detective del mundo se ve envuelto en el caso más raro del mundo…».

Creado por Bill Finger y Bob Kane, Batman ha sido objeto de muchos cambios, muchas interpretaciones (y también, reinterpretaciones), una necesidad dada su larga vida, aparentemente interminable. Hay una fascinación que sentimos por Batman, tanto por lo que representa (la cúspide de la humanidad, un símbolo estoico del progreso, tanto biológico como tecnológico) como por el lugar en el que se ambientan sus aventuras (Gotham como la peor ciudad en la que te gustaría vivir, una en decadencia a veces, de lujo, otras veces pero siempre caótica y corrupta). Pero también el orejas picudas es el favorito del friki solitario, del que se aleja de los superhéroes que por la gracia de Dios o del destino se le ha otorgado un poder que se sale de la lógica. El favorito de los que quieren por encima de todo un héroe REAL.

El sustito viene cuando te das cuenta que Batman: Reptil está escrita por el maestro irlandés Garth Ennis. La visión del personaje de este descontrolado señor que vuelve a Bruce Wayne con un personaje más cáustico y sardónico. El Batman del señor Ennis tiene un oscuro sentido del humor y sabe muy bien lo que representa: el miedo que transmite a la gente, el terror que mueve las bocas parlanchinas al completo silencio y la imponente figura que emana una terrible sensación de siempre estar por debajo. El miedo del maluto de saber que va a enfrentarse a un juez imparcial. A lo largo de esta miniserie, entonces, lo que se nos está dando es un Batman que no solo reconoce el pavor que infunde, sino que también se deleita en su condición de hombre que ha alcanzado la cima de lo que el cuerpo humano y la mente humana pueden alcanzar. Ese übermensch, el suprahombre de la filosofía de Friedrich Nietzsche. Una figura grotesca que conecta con el lector que se da cuenta que andar por una ciudad disfrazado de murciélago es algo muy alejado de la cordura.

Batman: Reptil es una historia tan absurda como lógica. Moviéndose hábilmente del horror psicológico al salpicado, mezcla el elemento básico de cualquier narrativa de Batman (es decir, la idea de resolver un misterio, la marca de la historia de detectives) agregando un elemento de ciencia ficción y guerra biológica. El resultado final es tal que nosotros, los lectores, nos encontramos en una posición en la que se hace bastante difícil saber qué va a pasar a continuación. Una arquitectura inteligente, la forma en que se desarrolla la miniserie logra sorprendernos sin jugar la carta de subvertir las expectativas por el simple hecho de hacerlo. ¿Y recordáis lo que decía de un mínimo de nivel en el dibujo? Es que friends, si una historia así metes a Liam Sharp que te lo hace en formato lienzo… Es que ya se convierte en un tomito recomendable, de sobresaliente.

Me encantó.

De mis favoritas desde ya.

Reseña: RIO, de Louise Garcia y Corentin Rouge

RIO me pareció una libre versión de Mon Bel Oranger, aquella novela de José Mauro de Vasconcelos publicada en 1968 y de éxito internacional (título original: Meu Pé de Laranja Lima) que fue traducida a cantidad de idiomas y que se vendieron tres millones de copias sólo en Francia. También es cierto lo que se dice en la sinopsis editorial (Si Ciudad de Dios fuese un cómic… se llamaría RIO) porque tiene todos los componentes e ingredientes que hicieron grande a aquella gran película. De hecho, de ese guión si que pudiera ser una segunda parte si contamos que se hablan de otros personajes o habitantes de la zona…

No sé si sabéis de lo que os hablo. Es el tipo de historia que trata la miseria en las vidas de ciertos adolescentes en zonas marginales, el tipo de libro sobre la miseria que te hacen leer en la universidad para darnos cuenta de lo afortunados que somos de estar donde estamos. Pero eso claro, para el que no haya vivido en un barrio marginal y no sepa lo que es, y así se asuste un poco. Lo que ocurres es, que en este caso, este que os escribe sí que sabe lo que es eso. Y puedo decir que vi, entre otras muchas cosas en niñez, como un barrio, un nuevo barrio obrero que se suele decir, el cómo se convertía de la noche a la mañana en lo peor de lo peor para vivir. Cada día un acontecimiento de los que se graban en la retina. O mínimo uno a la semana par ser sinceros. Un barrio que se convierte en marguinal por una serie de elemental que se vienen a vivir al sitio, grandes pisos que ellos mismos dicen que solo los quieren para dormir o guardar droga. Fin. Y en ocasiones ni siquiera para dormir. Aunque sí animales de granja…

Pero RIO va más allá y trata lo peor del ser humano. Y en RIO seguimos la vida de dos pequeños que pierden a su madre y deambulan por Río con la esperanza de algún día vivir con dignidad. No es del todo nueva esta pesadumbre. También presenta otros elementos como esos estadounidenses ricos que vienen a vivir en edificios de lujo cercanos para trabajar en ONGs y “apiadarse” de lo mal que lo pasan los niños allí en el barrio de al lado. ¡Pobrecitos! Pero bueno, cuando acabe mi trabajo yo me marcho a mi barrio donde se vive con normalidad, ¿no? No obstante, lo que ocurre es, que en RIO,  se va más allá… Mujeres que se dedican a sacrificios satanistas a la luz de las velas, monjas desilusionadas que cuidan niños hambrientos de venganza, policías corruptos… Es un cómic que muestra violencia, la violencia natural de la que es capaz el ser humano. Violencia que juega con las cuerdas habituales del coraje, dilemas entre la lealtad a la cultura y la voluntad de salir de ella. El lazo fraternal que quizás haya que cortar.

Norma Editorial trae esta obra recopilada en un sólo integral. Uno en tapa dura…, de los dignos tomos a los que nos tiene acostumbrados. Y la verdad es que la historia empieza bastante floja. O quizás sea yo que ya he leído bastantes historias que tratan este tema. Pero poco a poco fuí enganchándome pues la trama se desarrolla bien y el total enganche llega con un evento dramático al final del segundo álbum que para nada ves venir. El escenario entonces se abre y empieza a centrarse en las tramas a las que hace mención al principio y ya todo encaja. Corrupción del gobierno, la hipocresía de los organismos internacionales y norteamericanos, y cómo finalmente las pandillas de las favelas son una vía tan estrecha que es raro que los inmiscuidos salgan de ella. Pero el que sale… oh, con el que sale. Cínica solución. Puedes estar más pallá que pacá o ser el mejor, el más-mejor en lo que haces. Y eso lo he visto con mis propios ojos en el barrio que me crié de donde partieron grandes genios en el tema cultural. Y ese toque de originalidad que proviene de esa mezcla de vudú, satanismo y espiritismo que orbita alrededor del pasado del héroe y la muerte de su madre.

La guionista brasileña Louise Garcia y el dibujante francés Corentin Rouge (XIII Mystery) unen sus fuerzas en un drama hipnótico y trepidante dividido en cuatro partes donde los personajes son los verdaderos pilares de una historia difícil de olvidar.

Reseña: El Eternauta, de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López

Nunca nos deben faltar en disponibilidad las grandes obras creadas por el ser humano, los grandes libros, los grandes cómics… historias que uno se emociona de recordar donde se encontraba cuando las leyó por primera vez. Los creadores de contenidos, los pocos que quedamos que sólo usan la palabra escrita, tenemos en mente como primera misión que no se olviden o que se conozcan por primera vez -no ausentarlas del olvido-, obras tan características como El Eternauta, que aunque os hablo de un cómic de fama mundial, os aseguro, que raro es el día que sale el título a colación y salta alguien que no lo conoce.

Ni sabe lo que hay detrás.

El Eternauta fue un tebeo argentino de ciencia ficción creado originalmente por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López entre 1957 y 1959. Una historieta que tuvo gran cantidad de secuelas, en especial, nuevas versiones con otros ilustradores. ¿Qué quería decir con lo de “lo que hay detrás”? Entre 1976 y 1983 durante la dictadura que estaba sufriendo Argentina, la saga fue censurada, llegando a hacer desaparecer a su autor Héctor Germán Oesterheld, del cual se comenta que fue uno de esos inocentes que sufrieron los famosos “vuelos de la muerte”; un método de exterminio consistente en arrojar a personas desde aviones militares en vuelo sobre el mar o el Río de la Plata. Drogadas o tiroteadas con el fin de hacer desaparecer los cadáveres para siempre. Y uno se pregunta: ¿Da el crear una obra de ficción (¡de ciencia ficción!), como para que maten por ello? Supongo que tenéis la respuesta.

Y la obra fue perseguida por gobiernos posteriores, lo que ya desata la locura del no entender. Cuando leáis El Eternauta, vais a ver que ni Oesterheld ni Solano López merecían el tipo de maltrato que conllevó este cómic. No tiene sentido. Finalmente pese a la censura por parte del gobierno argentino años después, se incrementaron un 23% por ciento las ventas de esta serie y el cómic voló (para bien) a países de todo el mundo. Una apasionante tira cómica que es una institución en América Latina.

La trama se centra en una invasión alienígena la cual llega mediante una tormenta de nieve tóxica que acaba con la mayor parte de la población. Y la resistencia de los supervivientes en la ciudad de Buenos Aires. Su protagonista es Juan Salvo, el Eternauta, quien en un ejercicio de metaficción narra lo sucedido ante el propio autor, el señor Oesterheld.

Planeta Cómic ha hecho lo que se debe de hacer. Reeditar una obra que siempre debe estar disponible para cualquier lector que se precie. El Eternauta se va a convertir en uno de los cómics más emocionantes que jamás hayas leído. Tiene una historia increíble. De película. De film apocalíptico. El Eternauta apareció por primera vez en 1957 donde apareció inicialmente como folletín periodístico y han dicho grandes críticos que no solo es un cómic clásico; es “el alfa y omega de una tradición nacional”. Y es cierto pues en Buenos Aires, su héroe, Juan Salvo, vestido con el traje de buzo hecho en casa, más de cincuenta años después se puede ver en murales, grafitis políticos y campañas publicitarias. Un superhéroe argentino único. Otro.

Héctor Germán Oesterheld pasó a mejor vida de forma angustiosa pero Francisco Solano López (1928-2011) lo acogimos nosotros como buenos paisanos que somos con nuestros hermanos latinos. Aunque tampoco somos ejemplo de nada en tema de dictaduras. No obstante, lo que distingue a El Eternauta no es su trama, por apasionante que sea. Más bien, el puro ingenio de sus personajes y como una y otra vez salen de situaciones difíciles. El profesor Favalli es un científico que adoro. Me encantan además los detalles cotidianos que nos da Oesterheld; sus personajes, que desconciertan los entresijos de la supervivencia y la guerra de guerrillas cuando sucede. Nominada a tres Premios Eisner y ganadora del Premio Eisner a Mejor Colección en Tiras de Prensa, por fin, se comenta de una adaptación para Netflix en breve. Por todos los dioses, que lo hagan bien.