Reseña: Marvel Omnibus. X-Statix, de Peter Milligan y Mike Allred

Uno de los nuevos cómics que se me hizo indispensable de tener en formato integral u omnibus a pocas grapas de leerlo fue X-Statix. Peter Milligan haciendo lo que mejor sabe hacer. Una serie donde los superhéroes son lo que de verdad serían si fuesen reales. Influencers, buscadores de fama, dinero, sexo, lucrarse con cada aparición que hacen. La puta realidad de los superhéroes hecho cómic. Un tochal que recoge los primeros números donde apareció o formó este grupo (X-Force #116-#129) más su miniserie o cabecera inicial (X-Statix #1-#5) de la que cientos y cientos de fans esperamos una continuación. Los mutantes subversivos amantes de los medios de Peter Milligan y Mike Allred, el mundialmente famoso grupo ya denominado X-Statix, protagonizan una serie de aventuras extrañas, hilarantes con un portentoso final. De ahí que no se nos queda la miel en los labios a los que disfrutamos tanto de esta serie.

Aquí podréis encontrar a un equipo de mutantes del Universo Marvel, cuyo nombre deciden cambiarlo. La serie iba a ser un «restyling» de X-Force, pero la cabecera no alcanzó los picos de venta esperados en los 90. Y se decidió que era por no tener «punch» en la denominación. Joe Quesada, entonces Editor en Jefe de Marvel, queriendo un cambio decisivo, encomendó la operación de renovación a Peter Milligan, uno de los grandes guionistas de éxito en las últimas publicaciones de Vértigo. Y a Mike Allred, célebre ilustrador muy amado por los fans. Al cambiar de nombre, X-Statix se presentó casi como una sátira del mundo del espectáculo. Por lo que se desmarcó definitivamente de la clásica X-Force. Aquí podréis encontrar a mutantes como Anarquista, cuyo poder consiste en emitir un sudor ácido que le permite crear energía prácticamente de la nada. Junto a él, U-Go Girl, sobrevive a la masacre del equipo original y se convierte en parte del segundo equipo. También Bloke, es un enorme mutante de San Francisco con la capacidad de cambiar el color de su piel como un camaleón y obtener súper fuerza. Su color original era rosa, homosexual declarado, y estaba comprometido con otro chico mutante. Pues nada, en la época, a cortar con tijera.

Tenemos también a Chica Muerta (Rayo de Luna). Doop, un extraño ser verde con forma esférica que se expresa en un lenguaje misterioso que todos los miembros del equipo conocen y que hace de camarógrafo para las misiones. Un bicharraco cuyos orígenes son misteriosos pero que el Capitán América llega a contar que, en realidad, es una súper arma biológica creada por el ejército de los Estados Unidos durante la Guerra Fría, y que hay que tener ojo porque tiene poder como para destruir nuestro planeta. Y El Guapo (Robbie Rodriguez), un tío sin poderes pero con una relación simbiótica con su patinete, el cual, sí que tiene súper poderes.

Y más. Fan Boy (Arnie Lundberg), un mutante con enormes poderes de manipulación molecular. Y Henrietta Hunter, una mujer que inexplicablemente regresó de entre los muertos con habilidades físicas avanzadas, empatía y la capacidad de comunicarse con fantasmas. Huérfano/Sr. Sensible (Guy Smith) es el líder del equipo y a pesar de su inexperiencia, todos sus sentidos parecen estar extremadamente desarrollados. Me recordó a los jefecillos jovenzuelos que suelen colocar algunas empresa, recién salidos de la Facultad, con cero experiencia laboral y que por tener un título superior, viene cobrando lo mismo o más que tú. Y eso que suelen estar empanados y que para colmo tienes que enseñarles como se hace casi todo el trabajo…

Pero bastantes más. Porque X-Statix es un cómic, sobre todo, de superhéroes, de cantidad de ellos, de muchos personajes para disfrutar de la variedad y la originalidad de los autores. La oportunidad, con este tomo que publica Panini Cómics, de llevarse un volumen de pijameo uro -y lo digo sinceramente- único en su estilo de compendio rolero de monstruos/superhéroes. La obra mutante completamente loca de Peter Milligan y Mike Allred. Porque los mutantes son los supervivientes de los cómics. Claro, hay trampas para ser un mutante: los robots asesinos quieren destruirte y, en ocasiones, te ves horrible o lastimas a los que amas por culpa de tus complejos. Sin embargo, al igual que las estrellas de los «reality shows», los mutantes tienen un poder que no se merecen en absoluto. Son chiripas fantásticas, dotadas de asombrosas capacidades más allá del conocimiento de los mortales solo porque eso es lo que su ADN decidió cambiar un día. Y es que siempre queda el poderoso que no quiere serlo porque siempre se anhela lo que no se tiene. Y esa máxima en X-Statix se explica bastante bien. Un desagradable grupo de mega-estrellas mutantes, cuya gloria superheróica se forma «in media res».

¿Veredicto final? Cómic de sobresaliente. El mejor pijameo moderno a recomendar. Probad sino este pastelito.

Reseña: Demonios Imaginarios, de Tim Seeley, Stephen Molnar y Quinton Winter

Desde el principio, voy a decir que Demonios Imaginarios (Imaginary Fiends) es el mejor título que he leido de lo nuevo salido en el sello Vertigo desde que DC lo reestructuró. La línea cayó en un limbo de títulos interesantes en recientes años, unos más buenos que otros, pero con una terrible diferencia de calidad. Y, por supuesto, nada que ver con aquella serie de obras que hicieron famosa a Vertigo mundialmente en los 90. Pero DC parece que poco a poco va encontrando y dando luz verde a cosita muy chulas donde destaca la obra que hoy os reseño. Donde Tim Seely y Stephen Molnar a su vez se elevan como una de las duplas a seguir desde ya. Capaces de crear una combinación correcta, un dueto interesante respecto a mi amado género de Terror. La primera página de bienvenida de un niño pequeño que sostiene a su hermana menor moribunda mientras ella se desangra y la huella de su mano ensangrentada en su rostro es escalofriante.

En Demonios Imaginarios, la premisa básica es que los amigos imaginarios que tienen algunos niños no son ni imaginarios. Ni amigos. Son seres de otra dimensión que pueden tener un efecto limitado en nuestro mundo cuando se vinculan con los niños. Y cuando los niños dejan de creer en ellos, la mayoría se desvanecen. Otros, sin embargo, deciden instalarse en nuestro mundo y alimentarse del miedo. Y en muchos casos, se convierten en el monstruo, ese hombre del saco local de un pueblo de mala muerte que encuentra el lugar ideal para vivir, que no es otra cosa que el cuerpo de un ser humano fácilmente aterrado por casi cada cosa que se mueve en la oscuridad. Y se quedan para provocar muertes espantosas. Se alimentan de ello.

Eso nos lleva hasta Melba Li, quien era la mejor amiga de la niña de la página de inicio que fue apuñalada hace años. Bien. Resulta que compartían una amiga imaginaria, una tal Polly, una amiga imaginaria muy celosa que exigía “pruebas” de que sus amigos la amaban. Y ahora Melba está en el reformatorio por el delito de apuñalar a su amiga. Pero un día recibe la visita de un agente del FBI que dice que tienen una vacante para alguien como Melba en su división especial para cazar a estos monstruos rebeldes. Y ya estamos dentro de un cómic maravilloso digno de serie de TV. Tim Seeley (Nightwing) y Stephen Molnar (Star Trek, Danger Girl) realmente han elaborado una nueva versión de una vieja idea.

La obra de arte de Molnar es poderosa y su fuerza procede de ser capaz de crear transformaciones aterradoras de las diferentes formas en las que es capaz de convertirse estos amigos imaginarios no deseados. Un ilustrador que establece detalles espeluznantes. Demonios Imaginarios me recuerda a los primeros números de Harrow County, y para colmo tiene ese toque que Junji Ito es capaz de aportar a sus obras de Terror con entes terribles que no se nos van de la cabeza.

Muy recomendable para ti que amas como yo pasarlo mal, leyendo. Demonios Imaginarios recopila los seis números de esta inolvidable miniserie. Genial rescate de edición por parte de ECC Ediciones. Necesitamos más de estas cositas.

Reseña: On Mars (Integral), de Sylvain Runberg y Grun

Es inocente el amante de la ciencia ficción que con tan solo ver una buena portada, no atribuye ya un porcentaje alto de calidad a una obra. Y puede sonar pretencioso, pero algunos de vosotros sabréis que esto es muy cierto. Las portadas, en especial, de este género, no son otra cosa que un cebo para nosotros. Y On Mars vale lo que vale y demuestra lo que vale a pocas páginas de ponerte a leer. Eso sin contar que los que somos amantes de historietas de acción en Marte desde que nos impactara en nuestra infancia el film inolvidable Desafío Total; los que no mucho después corrimos a leer más obras de Philip K. Dick; seguro-seguro-seguro vais a disfrutar de la agente de policía Jasmine Stenford.

Estoy escribiendo esta reseña teniendo recién leído los tres volúmenes que comprende esta serie publicada por Yermo Ediciones en un portentoso integral y en tapa dura como nos tiene acostumbrados. Lo que la he disfrutado, dios. Los temas son ciertamente clásicos: colonización de Marte, diferentes facciones en luchas despiadadas, sucios y corruptos políticos, fanáticos religiosos…, los personajes «duros» son un poco cliché y, en general, la historia se centra principalmente en la acción – cosa que agradezco ya que tengo mucha “marcianada” leída-, pero ahora que carburo un poco, que tomo un par de sorbos más de té chai y miró a mi alrededor, creo que la virtud de esta obra es que me haya tragado los tres volúmenes de un tirón.

Sylvain Runberg domina su guión, y lo concluye de manera formidable. No da traspiés al cerrarlo, algo que sinceramente suele pasar mucho con esta temática futurista. De hecho, ahora que pienso otra vez en él, me gustó mucho el final… pero no diré más para no crear expectativas muy altas. Pero sí que haré mención al dibujo de Grun (también conocido como Ludovic Dubois) que está absolutamente magnífico. El trabajo con los personajes y sus atuendos es realmente impresionante y detallado. Y las vistas marcianas también son muy hermosas, y resaltadas por colores rojizos del efecto más hermoso que uno pueda imaginar en dicho planeta. Y los vehículos o drones están muy bien representados. Los tres álbumes terminan con soberbios cuadernos de bocetos y estos últimos también enriquecen el trasfondo de la historia de un universo carcelario de proporciones finalmente reducidas.

Y básicamente tenemos rivalidades, sobre todo, entre presos, luego entre bandas, e integramos una banda que es un poco más potente que los demás. Es más, la idea de enviar presos de derecho consuetudinario a cumplir su condena en la colonia para construir y prepararse para la llegada de colonos libres, es bastante buena. Al fin y al cabo, así se construyeron en gran medida las colonias de Australia o Nueva Caledonia. Me encantó como se consigue la credibilidad de esta colonización forzada, lo que me lleva a pensar que con un par de viñetas se determina muy bien que es necesario motivar a los condenados a construir su propio futuro o el de sus hijos en lugar de aplastarlos psicológicamente.

Yo que le doy mil vueltas a la historias y esto provoca que a veces no las disfrute, me pregunté varias veces cuál era el sentido de situar esta historia en Marte. Y no encontré ninguno. Creo que funcionaría en cualquier colonia espacial que se pudiera conseguir. Pero quizás Marte siempre está de moda, estamos cerquita ya de llegar como colonos y bueno, molar, mola.

Una historia clásica pero efectiva. Una historia moderna fácilmente situable dentro de la ciencia ficción clásica. La mejor.

Reseña: Wolfwalkers. La Novela Gráfica, de Sam Sattin, Tomm Moore y Ross Stewart

Hablamos de una historia traslada de una peli pero aun así muy chula de tener en formato cómic. Una idea que especialmente disfrutarán aquellos padres lectores que quieren no solo disfrutar en primera persona de una buena historia con buenas ilustraciones, sino también para que sus más allegados lo hagan. Y Wolfwalkers puede no tener el reconocimiento de una film/guion de Pixar o Ghibli, pero no se equivoquen, hay muy buenos jugadores de fútbol fuera de los grandes equipos multimillonarios (si me permiten la comparación), pero otra cosa es que se ponga el foco de atención en ellos en la misma escala de valores que los famosetes de siempre. Wolfwalkers es lo último creado por de Tomm Moore aunque comparte créditos aquí con Ross Stewart, quien trabajó en las películas anteriores de Moore, The Secret of Kells y Song of the Sea. Y es exquisito lo que hacen pues, empapada en la magia de la tierra y la tradición antigua, tenemos el tipo de historia que con un-poco-mucho de fantástico nos engancha a los frikis que te cagas.

Wolfwalkers es una película animada de aventuras y fantasía de 2020. La peli comprendería la tercera y última entrega de la «Trilogía del Folclore Irlandés» de Moore, después de las dos antes mencionadas. Wolfwalkers fue una coproducción internacional dirigida por Cartoon Saloon y Mélusine Productions y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2020 y posteriormente en cines en Reino Unido e Irlanda. Digitalmente en Apple TV+ el 11 de diciembre de 2020, con gran éxito de crítica. Sigue la historia de Robyn Goodfellowe, una joven aprendiz de cazadora que llega a Irlanda con su padre en una época de superstición y magia para acabar con la última manada de lobos que acosa los pueblos del valle. Pero mientras explora las tierras prohibidas fuera de las murallas de la ciudad, Robyn se hace amiga de una chica de espíritu libre, Mebh, miembro de una tribu misteriosa de la que se rumorea que tiene la capacidad de convertirse en lobo. Y ahí empiezan los problemas. Mientras buscan a la madre desaparecida de Mebh, Robyn descubre un secreto que la lleva aún más cerca del mundo encantado de los Wolfwalkers y corre el riesgo de convertirse en lo mismo que su padre tiene la tarea de destruir. Su padre y ella misma porque el conflicto se acaba de poner encima de la mesa.

Al igual que las historias-películas anteriores de Moore, las cuales os recomiendo muy mucho para disfrutar de este cómic a tope, estamos ante una trama desafiantemente pagana. Historias que tienen mucho enganche para el amante del fantástico cualesquiera que sea su edad. Tiene sus raíces en una época en la que los espíritus de los animales y los humanos eran como zarcillos entrelazados. Hay tensiones entre el pueblo y el bosque y sabemos que ese miedo-respeto alguna vez lo tuvimos. Aún en 2023 existen lugares del planeta donde sigue ocurriendo. Por otro lado, gracias a Mebh, la nueva amiga salvaje de la protagonista, vamos a saber lo que es “estar del otro lado”. Moore y Stewart aportan un vigoroso toque contemporáneo a la animación que tiene sus raíces en el arte popular irlandés y en tradiciones tan antiguas como el tiempo. Y eso, a quién no le va a gustaaaaarrr…

Adaptada por Sam Sattin y publicada por Kodomo, de ECC Ediciones, ya disponible esta joyita.

Reseña: El Asombroso Cabeza de Tornillo y Otros Objetos Extraños. Edición Especial 20º Aniversario

En cuanto a cómics, siempre diré que aparte de la gran época de publicación de integrales que estamos viviendo, también hay que alabar y agradecer que las editoriales están haciendo un gran esfuerzo por volver a traer ediciones agotadas dificiles de encontrar así como ediciones especiales indispensables. Joyitas que son carne de especulación en servicios de venta de segunda mano, muchos de esos articulos dignos de denuncia… Si existiera esa posibilidad.

Pero yéndonos a lo bueno, este mes de diciembre pasado Norma Editorial sacó a flote de nuevo un volumen, obviamente imperdible para los que seguimos, amamos y deseamos tener todo-todito-todo lo que brota o brotó de los maestros Mike Mignola y Dave Stewart. Publicando y aprovechando para la ocasión además, la edición en tapa dura súper chula de la edición conmemorativa del Especial del 20º Aniversario de El Asombroso Cabeza de Tornillo y otros obejtos extraños que cumplía años el pasado 2022. Una deliciosa colección de cuentos ilustrados por el artista/creador de Hellboy y de tantas otras historias, un universo que ya incluso ha adoptado su propio nombre. Porque en el Mignolaverso el tema anda fuerte en criaturas, rituales de todo tipo, pueblos fantasmales, cruce de caminos atacados por seres sobrenaturales excéntricos, magia, relatos y ahora… cabezas de tornillo que albergan vida de forma misteriosa.

La sinopsis principal podría centrarse en decir que el Emperador Zombie está tratando de dominar el mundo una vez más y el Asombroso Cabeza de Tornillo ha sido reclutado por el presidente Lincoln para detener a dicho mal bicho. Con la ayuda de su fiel compañero, el Sr. Groin, y su fiel compañero canino, el Sr. Dog, Cabeza de Tornillo tendrá que enfrentarse a seres ocultos en tumbas antiguas y derrotar a los demonios de otras dimensiones que la habitan. Pero ese solo sería uno de los cuentos extraños que habitan esta colección. A eso añadir las diecinueve páginas de la historia nunca antes completada y nunca publicada de Axorr, Slayer of Demons, escrita y dibujada por el legendario creador de Hellboy. Y más. Porque como muy bien se indica en el tomo vamos a disfrutar y flipar con cada uno de los cuentos que siguen esta trama donde encontraremos máquinas voladoras victorianas, una cabeza mecánica, saqueos en catacumbas, fantasmas airados, estatuillas malditas e incluso alienígenas y plantas de judías gigantes y mágicas. Un volumen que incluye la dos historias Premios Eisner de Mignola, las joyitas El Asombroso Cabeza de Tornillo y La serpiente y el mago.

Esta edición especial además incluye cuarenta páginas adicionales de material nuevo de Mike Mignola con los inestimables colores del gran Dave Stewart. Revisé la edición anterior de hace casi una década (2013) y encontré grandes diferencias visuales. Y aunque la historia principal es la misma versión que se lanzó en 2010 en USA, se siente un modo de retocado “más amable” y agradecido a los ojos en esta nueva edición de tamaño de impresión más grande y con bocetos molones dignos de enmarcar. Un volumen imperdible y no sólo para fans de Mignola.

Para cualquier amante del fantástico.

Le oí decir a Mignola una vez: “Estoy tan orgulloso de las cosas de Hellboy, como de las historias que componen la colección de Cabeza de Tornillo. Sin duda, una de mis cosas favoritas de las que he hecho”.

Eso bastaría, ¿no?

Reseña: Batman. Reptil, de Garth Ennis y Liam Sharp

A quien no le gusta o le entra un repeluquillo por el cuerpo al ver que puede leer una nueva miniserie de Batman con un toque diferente. Este que os escribe, por lo menos, es de esos que ve algo diferente o con titulo atractivo, que encima se encabeza con el nombre del Caballero Oscuro…, y sabe ya que tiene asegurado un buen rato de lectura en el sofá. Y a veces no hace falta ser demasiado original con una historia, un nuevo enemigo a batir o una nueva visión del personaje. La cuestión es, que con un mínimo de nivel en el dibujo y en el objetivo del guion, ellos los autores deberían saber (y saben) que a muchos ya nos tienen en el bote. Como decía esa señora que se hizo viral: ¡A quién no le va a gustaaaaarr…!

Eso ocurre con Batman: Reptil. Este nuevo tomito que sacó hace nada ECC Ediciones y que recopila la miniserie Batman: Reptilian de seis numeritos y que con apenas tres frases se resume bastante bien su sinopsis: «¿Qué es este monstruo reptiliano que acecha en las sombras de Gotham? Para responder a esta pregunta, Batman da caza a esta terrible criatura… Y cuando su investigación le lleva hasta Killer Croc, el mejor detective del mundo se ve envuelto en el caso más raro del mundo…».

Creado por Bill Finger y Bob Kane, Batman ha sido objeto de muchos cambios, muchas interpretaciones (y también, reinterpretaciones), una necesidad dada su larga vida, aparentemente interminable. Hay una fascinación que sentimos por Batman, tanto por lo que representa (la cúspide de la humanidad, un símbolo estoico del progreso, tanto biológico como tecnológico) como por el lugar en el que se ambientan sus aventuras (Gotham como la peor ciudad en la que te gustaría vivir, una en decadencia a veces, de lujo, otras veces pero siempre caótica y corrupta). Pero también el orejas picudas es el favorito del friki solitario, del que se aleja de los superhéroes que por la gracia de Dios o del destino se le ha otorgado un poder que se sale de la lógica. El favorito de los que quieren por encima de todo un héroe REAL.

El sustito viene cuando te das cuenta que Batman: Reptil está escrita por el maestro irlandés Garth Ennis. La visión del personaje de este descontrolado señor que vuelve a Bruce Wayne con un personaje más cáustico y sardónico. El Batman del señor Ennis tiene un oscuro sentido del humor y sabe muy bien lo que representa: el miedo que transmite a la gente, el terror que mueve las bocas parlanchinas al completo silencio y la imponente figura que emana una terrible sensación de siempre estar por debajo. El miedo del maluto de saber que va a enfrentarse a un juez imparcial. A lo largo de esta miniserie, entonces, lo que se nos está dando es un Batman que no solo reconoce el pavor que infunde, sino que también se deleita en su condición de hombre que ha alcanzado la cima de lo que el cuerpo humano y la mente humana pueden alcanzar. Ese übermensch, el suprahombre de la filosofía de Friedrich Nietzsche. Una figura grotesca que conecta con el lector que se da cuenta que andar por una ciudad disfrazado de murciélago es algo muy alejado de la cordura.

Batman: Reptil es una historia tan absurda como lógica. Moviéndose hábilmente del horror psicológico al salpicado, mezcla el elemento básico de cualquier narrativa de Batman (es decir, la idea de resolver un misterio, la marca de la historia de detectives) agregando un elemento de ciencia ficción y guerra biológica. El resultado final es tal que nosotros, los lectores, nos encontramos en una posición en la que se hace bastante difícil saber qué va a pasar a continuación. Una arquitectura inteligente, la forma en que se desarrolla la miniserie logra sorprendernos sin jugar la carta de subvertir las expectativas por el simple hecho de hacerlo. ¿Y recordáis lo que decía de un mínimo de nivel en el dibujo? Es que friends, si una historia así metes a Liam Sharp que te lo hace en formato lienzo… Es que ya se convierte en un tomito recomendable, de sobresaliente.

Me encantó.

De mis favoritas desde ya.

Reseña: RIO, de Louise Garcia y Corentin Rouge

RIO me pareció una libre versión de Mon Bel Oranger, aquella novela de José Mauro de Vasconcelos publicada en 1968 y de éxito internacional (título original: Meu Pé de Laranja Lima) que fue traducida a cantidad de idiomas y que se vendieron tres millones de copias sólo en Francia. También es cierto lo que se dice en la sinopsis editorial (Si Ciudad de Dios fuese un cómic… se llamaría RIO) porque tiene todos los componentes e ingredientes que hicieron grande a aquella gran película. De hecho, de ese guión si que pudiera ser una segunda parte si contamos que se hablan de otros personajes o habitantes de la zona…

No sé si sabéis de lo que os hablo. Es el tipo de historia que trata la miseria en las vidas de ciertos adolescentes en zonas marginales, el tipo de libro sobre la miseria que te hacen leer en la universidad para darnos cuenta de lo afortunados que somos de estar donde estamos. Pero eso claro, para el que no haya vivido en un barrio marginal y no sepa lo que es, y así se asuste un poco. Lo que ocurres es, que en este caso, este que os escribe sí que sabe lo que es eso. Y puedo decir que vi, entre otras muchas cosas en niñez, como un barrio, un nuevo barrio obrero que se suele decir, el cómo se convertía de la noche a la mañana en lo peor de lo peor para vivir. Cada día un acontecimiento de los que se graban en la retina. O mínimo uno a la semana par ser sinceros. Un barrio que se convierte en marguinal por una serie de elemental que se vienen a vivir al sitio, grandes pisos que ellos mismos dicen que solo los quieren para dormir o guardar droga. Fin. Y en ocasiones ni siquiera para dormir. Aunque sí animales de granja…

Pero RIO va más allá y trata lo peor del ser humano. Y en RIO seguimos la vida de dos pequeños que pierden a su madre y deambulan por Río con la esperanza de algún día vivir con dignidad. No es del todo nueva esta pesadumbre. También presenta otros elementos como esos estadounidenses ricos que vienen a vivir en edificios de lujo cercanos para trabajar en ONGs y “apiadarse” de lo mal que lo pasan los niños allí en el barrio de al lado. ¡Pobrecitos! Pero bueno, cuando acabe mi trabajo yo me marcho a mi barrio donde se vive con normalidad, ¿no? No obstante, lo que ocurre es, que en RIO,  se va más allá… Mujeres que se dedican a sacrificios satanistas a la luz de las velas, monjas desilusionadas que cuidan niños hambrientos de venganza, policías corruptos… Es un cómic que muestra violencia, la violencia natural de la que es capaz el ser humano. Violencia que juega con las cuerdas habituales del coraje, dilemas entre la lealtad a la cultura y la voluntad de salir de ella. El lazo fraternal que quizás haya que cortar.

Norma Editorial trae esta obra recopilada en un sólo integral. Uno en tapa dura…, de los dignos tomos a los que nos tiene acostumbrados. Y la verdad es que la historia empieza bastante floja. O quizás sea yo que ya he leído bastantes historias que tratan este tema. Pero poco a poco fuí enganchándome pues la trama se desarrolla bien y el total enganche llega con un evento dramático al final del segundo álbum que para nada ves venir. El escenario entonces se abre y empieza a centrarse en las tramas a las que hace mención al principio y ya todo encaja. Corrupción del gobierno, la hipocresía de los organismos internacionales y norteamericanos, y cómo finalmente las pandillas de las favelas son una vía tan estrecha que es raro que los inmiscuidos salgan de ella. Pero el que sale… oh, con el que sale. Cínica solución. Puedes estar más pallá que pacá o ser el mejor, el más-mejor en lo que haces. Y eso lo he visto con mis propios ojos en el barrio que me crié de donde partieron grandes genios en el tema cultural. Y ese toque de originalidad que proviene de esa mezcla de vudú, satanismo y espiritismo que orbita alrededor del pasado del héroe y la muerte de su madre.

La guionista brasileña Louise Garcia y el dibujante francés Corentin Rouge (XIII Mystery) unen sus fuerzas en un drama hipnótico y trepidante dividido en cuatro partes donde los personajes son los verdaderos pilares de una historia difícil de olvidar.

Reseña: El Eternauta, de Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López

Nunca nos deben faltar en disponibilidad las grandes obras creadas por el ser humano, los grandes libros, los grandes cómics… historias que uno se emociona de recordar donde se encontraba cuando las leyó por primera vez. Los creadores de contenidos, los pocos que quedamos que sólo usan la palabra escrita, tenemos en mente como primera misión que no se olviden o que se conozcan por primera vez -no ausentarlas del olvido-, obras tan características como El Eternauta, que aunque os hablo de un cómic de fama mundial, os aseguro, que raro es el día que sale el título a colación y salta alguien que no lo conoce.

Ni sabe lo que hay detrás.

El Eternauta fue un tebeo argentino de ciencia ficción creado originalmente por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López entre 1957 y 1959. Una historieta que tuvo gran cantidad de secuelas, en especial, nuevas versiones con otros ilustradores. ¿Qué quería decir con lo de “lo que hay detrás”? Entre 1976 y 1983 durante la dictadura que estaba sufriendo Argentina, la saga fue censurada, llegando a hacer desaparecer a su autor Héctor Germán Oesterheld, del cual se comenta que fue uno de esos inocentes que sufrieron los famosos “vuelos de la muerte”; un método de exterminio consistente en arrojar a personas desde aviones militares en vuelo sobre el mar o el Río de la Plata. Drogadas o tiroteadas con el fin de hacer desaparecer los cadáveres para siempre. Y uno se pregunta: ¿Da el crear una obra de ficción (¡de ciencia ficción!), como para que maten por ello? Supongo que tenéis la respuesta.

Y la obra fue perseguida por gobiernos posteriores, lo que ya desata la locura del no entender. Cuando leáis El Eternauta, vais a ver que ni Oesterheld ni Solano López merecían el tipo de maltrato que conllevó este cómic. No tiene sentido. Finalmente pese a la censura por parte del gobierno argentino años después, se incrementaron un 23% por ciento las ventas de esta serie y el cómic voló (para bien) a países de todo el mundo. Una apasionante tira cómica que es una institución en América Latina.

La trama se centra en una invasión alienígena la cual llega mediante una tormenta de nieve tóxica que acaba con la mayor parte de la población. Y la resistencia de los supervivientes en la ciudad de Buenos Aires. Su protagonista es Juan Salvo, el Eternauta, quien en un ejercicio de metaficción narra lo sucedido ante el propio autor, el señor Oesterheld.

Planeta Cómic ha hecho lo que se debe de hacer. Reeditar una obra que siempre debe estar disponible para cualquier lector que se precie. El Eternauta se va a convertir en uno de los cómics más emocionantes que jamás hayas leído. Tiene una historia increíble. De película. De film apocalíptico. El Eternauta apareció por primera vez en 1957 donde apareció inicialmente como folletín periodístico y han dicho grandes críticos que no solo es un cómic clásico; es “el alfa y omega de una tradición nacional”. Y es cierto pues en Buenos Aires, su héroe, Juan Salvo, vestido con el traje de buzo hecho en casa, más de cincuenta años después se puede ver en murales, grafitis políticos y campañas publicitarias. Un superhéroe argentino único. Otro.

Héctor Germán Oesterheld pasó a mejor vida de forma angustiosa pero Francisco Solano López (1928-2011) lo acogimos nosotros como buenos paisanos que somos con nuestros hermanos latinos. Aunque tampoco somos ejemplo de nada en tema de dictaduras. No obstante, lo que distingue a El Eternauta no es su trama, por apasionante que sea. Más bien, el puro ingenio de sus personajes y como una y otra vez salen de situaciones difíciles. El profesor Favalli es un científico que adoro. Me encantan además los detalles cotidianos que nos da Oesterheld; sus personajes, que desconciertan los entresijos de la supervivencia y la guerra de guerrillas cuando sucede. Nominada a tres Premios Eisner y ganadora del Premio Eisner a Mejor Colección en Tiras de Prensa, por fin, se comenta de una adaptación para Netflix en breve. Por todos los dioses, que lo hagan bien.

Reseña: Ciudades y Mansiones Encantadas, de Junji Ito

Otro volumen antológico de historias creadas por el maestro mangaka Junji Ito, otro volumen indispensable para el amante de las buenas historias de Terror. Eso y no otra cosa es Ciudades y Mansiones Encantadas, el tochal súper chulo que ECC Ediciones puso hace no mucho en librerías. Una casa embrujada o casa encantada, una «haunted house», es, en la cultura popular, casas donde ocurren supuestos fenómenos paranormales, normalmente asociados a leyendas sobre fantasmas, crímenes, hechos luctuosos como les gusta decir a los investigadores de lo paranormal. En definitiva, lugares donde el 98% de la población diría no, a pasar una noche. Unas creencias que reciben su mayor impulso a partir del romanticismo del siglo XIX y los primeros pasos de la parapsicología, reforzadas en el siglo XX gracias al cine; pero hechos y encuentros que seguramente han acompañado al ser humano desde que tiene uso de razón y comenzó a enterrar a sus muertos tras ver que un día dejaban de moverse…

Y Junji Ito juega con eso. Aquí se recogen toda una serie de cuentos para el lector español, inéditos a disfrutar. Y con la originalidad que supone siempre leer un manga con sucesos que a autores de occidente no se les suele ocurrir. La colección se compone de historias cortas independientes pero todo parece navegar en esa marejadilla del mal que se une en ondas hacia un agujero negro en el que todo acaba. Historias de aquí y de allá, muchas no tan ficticias como pueden parecer. Como os decía, en la extensa bibliografía de Junji Ito encontramos varios relatos cortos que nos conducen a lugares claustrofóbicos, a espacios en los que la comida contiene sorpresas extrañas y a presencias sobrenaturales en lugares aparentemente normales. Y casas que aportan dolor a una persona, que esta esplende en todas direcciones. El horror nunca pensado y desmedido. Historias terroríficas que nos acercan al siempre inquietante mundo de Junji Ito y por la que es lógico que sea considerado ya maestro del género.

Incluida La mujer del pelo largo del ático, incluida aquí que bien merece una peli. Donde el novio de Chiemi tras romper con ella, le dice que aunque es guapa, él todavía no está satisfecho y cree que no deben estar juntos. Entonces Chiemi recuerda cuando él le pidió que se dejara crecer el cabello… O Bio House, publicada originalmente en el Halloween Night 2 de 1987; donde una chica llamada Kubota visita la casa de vacaciones de su jefe, un distinguido señor mayor que trabaja en el campo de la biotecnología y pronto se entera de que tiene unos extraños gustos a la hora de comer. Genial historia de Terror y ya os aviso que esta trama no va de fantasmas tal como los conocéis. Y más chuladas. Como la historia donde la familia de Kikuyo esconde a un hombre llamado Saburo Furukawa en su casa, que ha desertado del ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial. Estamos en 1953, ocho años después, la familia de Kikuyo lo ha convencido de que es tiempo de guerra aún y no debe salir. Hasta que sale. Y bastante cuentos más que se vieron publicados en el Museum of Terror vol. 3 que es de donde parten la mayoría de historias de este recopilatorio.

Pero no me iré sin advertiros que en este tomo se puede encontrar el relato El Pueblo de las Sirenas, una historia donde Haiyama, un funcionario local, irrumpe en una iglesia y libera a una entidad que llevaba años encerrada en el sótano de este lugar sagrado. Dios mio de mi vida, no entiendo como esta historia no ha sido llevada al cine ya y por un director de renombre.

¿Alguna vez has pensado que deberías tener un buen tomo cúmulo de buenas historias de miedo para leer en la oscuridad? Ciudades y Mansiones Encantadas quizás sea esa opción. Loquísimo estoy por ver el Junji Ito Maniac que se viene en Netflix el 19 de Enero.

Reseña: Kull El Destructor, de Roy Thomas, Gerry Conway, Englehart, Moench y VVAA

Kull fue concebido por el escritor pulp que nos ha dado tanto y que se fue demasiado joven, el maestro Robert E. Howard, quién también creó Conan y toda una serie de personajes icónicos de la fantasía medieval aunque los dos más famosos son estos dos comentados. De hecho, para muchos, Kull the Conqueror no es otra cosa que otro hilo de acción rutinario de espada, taparrabos, sandalias y brujería con un tipo que no alcanzó la fama de Conan ni de lejos. ¿Y por qué? Pues por la misma razón que yo he jugado al fútbol en mis inicios con colegas que le daban mil vueltas a Cristiano Ronaldo o Messi y nunca llegaron a ser profesionales; bien porque no quisieron, porque no estaban en el sitio exacto a la hora adecuada, resumiendo, porque la vida no sólo va de tener virtudes sino también de tener (mucha) suerte cuando toca. Conan El Cimmerio la tuvo y Kull El Conquistador casi que no. No se le hizo una peli en condiciones para darlo a conocer ante el mundo, esa gente que no lee, y mucho menos cómics. Aunque sí que hubo traslación literaria a buenos cómics Marvel y eso friends es lo que Panini Cómics y SD trae con estos maravillosos Marvel Limited Edition que no son oro, sino puro mithril del noveno arte.

Tras dos tomazos geniales de Kull El Salvaje (https://www.cronicasliterarias.es/?p=7841), súper agotados ya en todos sitios, llega este maravilloso tercer tomo denominado Kull El Destructor, que comprende toda una serie cómics joyitas en si mismo (Kull the Conqueror #1-#10, Kull the Destroyer #11-#29, Creatures on the Loose #10, Monsters on the Prowl #16 y material de Kull and the Barbarians #1-#3, The Savage Sword of Conan #9, Conan the Barbarian #10, Conan the Barbarian Annual #3 y FOOM #14 Conan), incluyendo la primera aparición del personaje, dibujada por mi amado Bernie Wrightson. Es decir, todo y cada uno de los cómics de la época donde aparecía este curioso personaje del que os adelanto ya, que al que no conozca, le va a flipar. Y al contrario de lo que piensan muchos, muy diferente en personalidad en comparación con el famoso cimmerio.

Por tanto, un buen lote de cómics Marvel extraídos de la bóveda. Y como ejemplo el Kull The Destroyer #11, portada con fecha de noviembre de 1973, un cómic de Kull que existía desde 1971 cuando salió el primer número pero que tras un par de números de prueba dejó de publicarse. Pero luego, en la portada de abril de 1972, Kull apareció en el Monsters On The Prowl #16 y la cabecera Kull The Conqueror volvió con el número #3, con la portada fechada en julio de 1972 y por haz del destino a la gente le empezó a gustar. ¿La portada quizás? Un número con una gran portada del artista Mike Ploog, quien proporciona tanto los lápices como las tintas. Lo cierto es que quizás fuera por eso porque tuvo la serie cambio de nombre y de dibujante y se empezó a vender bien. Los artistas, el equipo hermano-hermana de John y Marie Severin, hicieron un gran trabajo. Y la curiosa anécdota de que en la portada se colocó el título ¡Por este hacha gobierno! y cuando empiezas la historia te encuentras con el potente título ¡El rey Kull debe morir! ¿Y esto por qué? No tengo la respuesta. Marvel Comics dice que la historia está libremente adaptada del cuento de Robert E. Howard (Por esta hacha yo gobierno) pero sólo Roy Thomas debe saber el porqué de este cambio interno. Curiosidades aparte, una historia que comienza con Kull hablando con su amigo, Brule, diciendo que ahora que es Rey, el hecho de que haya nacido en el extranjero está causando que el Reino cuestione su liderazgo. La escena cambia rápidamente a una reunión secreta donde la gente trama la muerte y el derrocamiento de Kull, con la intención de colocar a otro en el trono…

La escena vuelve a cambiar a Kull, en su salón del trono, donde piensa en sus años de juventud y Roy Thomas nos da una mirada retrospectiva de tres años y medio atrás en los comienzos del personaje como luchador intrépido. Más tarde, en sus aposentos privados, mientras Kull reflexiona, los conspiradores, con la ayuda de varios soldados, irrumpen en los aposentos de Kull y atacan. Se enfrenta con valentía a las horribles adversidades con una espada y su fiel hacha e incluso después de recibir una herida grave, continúa luchando e incluso parece estar ganando. Un hombre contra veinte, pero Kull sigue luchando y se mantiene firme hasta que uno de los conspiradores se revela como el archienemigo de Kull, el Hechicero, ¡Thulsa Doom! y usando su hechicería, Doom hace que el hacha de Kull sea demasiado pesada para levantarla, y ahora sin armas, Kull es vencido. ¿Muerto? Por suerte no. Es arrastrado a las mazmorras del castillo. Y ahí termina la historia.

Y ya estás súper enganchado. A un personaje que apenas conocías y del que quieres saber qué pasará con su futuro y…, cualquiera que leyera este número en 1973 (o 1986 cuando aproximadamente pude leerlo yo por primera vez) provocó que todos buscáramos el siguiente número con un ansia inusitada. Me contaron que fueron tres meses muuuy laaaargos en USA hasta que salió el siguiente, y bien por estrategia editorial, bien porque no sabían como seguir, el empujón a la serie y al personaje fue ENORME con dicha espera. Finalmente apareció y se pudo ver qué sucedió después. Y lo dicho. Ya estás o estabas enganchado. Así que la recomendación está clara. Necesitas regalarte o que te regalen este volumen que, por supuesto, es independiente de los dos difíciles de encontrar anteriores, aunque eso no quita que tras leerlo te ansíes por conseguirlos los demás.

Lo siento, por vosotros.